Glava 2. Ювелирное искусство разных исторических эпох и народов

2.1. Ювелирное искусство Древнего мира

На высокой ступени развития находилось ювелирное искусство Древне­го Египта, отличавшееся любовью к ярким полихромным (многоцветным) эф­фектам. Материалами для ювелирных украшений служили преимущественно золото, бронза, лазурит, аметист, яшма, обсидиан и изумруды.

Применялись чеканка, гравировка и так называемая холодная эмаль (вклю­чение кубиков стеклянной пасты и цветных камней между золотыми перегородками).

Древние египтяне предпочитали разгонять золото в тонкие листы, выре­зали из них орнамент и украшали ими разнообразные предметы: оружие, сосу­ды, мебель. Этот стиль ювелирного искусства называется стилем золотого лис­та.

Пристрастие к яркой полихромии, частое использование лазурита и тех­ники холодной эмали характерны для ювелирных изделий Древнего Двуречья (Аккад, Ассирия, Вавилония, Шумер, Ур).

Древний Египет. Сокровища фараонов, найденные в гробницах говорят о высоком ювелирном искусстве. Египтяне, верившие в загробную жизнь, счи­тали, что в мир иной следует брать все, что необходимо. Поэтому их усыпальницы полны удивительных сокровищ.

Техника изготовления ювелирных изделий была очень высокой, приме­нялись следующие приемы:

— литье с потерей восковой модели (литая маска Тутанхамона, статуя и кресло Рамзеса I и др.);

—   пластическая обработка — ковка, чеканка, гравировка, инкрустация, холодное эмалирование;

—   обработка камня.

В Древнем Египте нашло широкое применение лазурита. Лазурит (ляпис - лазурь) - минерал темно-синего цвета с золотистыми крапинами (сложный силикат алюминия и натрия, содержащий серу), был излюбленным камнем древних египтян, особенно в сочетании с бирюзой. Податливость лазурита в обработке сделали его привлекательным для техники инкрустации, известной как перегородчатая эмаль. На металлической основе из тонкой проволоки де­лались перегородки (клаузоны), после чего между ними укреплялись на смоле (клее) самоцветы или кусочки стекла (смальты).

Гробница Тутанхамона, открытая в 1922 г. английским лордом Карнарвоном и археологом Говардом Картером - одно из наиболее известных сокро­вищ мира, а также единственная из дошедших до нашего времени почти не раз­грабленная усыпальница представителя древней египетской знати.

Когда лорд Карнарвон и Г. Картер вошли в первую комнату, их ошело­мило количество и разнообразие наполнявших предметов. Здесь были обитые золотом колесницы, луки, колчан со стрелами и перчатки для стрельбы; крова­ти, тоже обитые золотом; кресла, покрытые мельчайшими вставками из слоно­вой кости, золота, серебра и самоцветов; великолепные каменные сосуды, богато декорированные ларцы с одеждой и украшениями.

За первой комнатой последовали другие, и то, что было обнаружено в гробнице фараона, превосходило самые смелые ожидания участников экспеди­ции. В погребальных покоях фараона они нашли деревянный позолоченный ковчег, а в нем другой — дубовый ковчег, во втором — третий позолоченный ковчег, а затем еще и четвертый. В этом четвертом находился саркофаг из цельного куска редчайшего кристаллического кварцита, а в нем еще два сарко­фага.

Саркофаг фараона - особенно удачный пример того, как использовался лазурит для покрытия темных участков ювелирных украшений.

Посмертная маска фараона инкрустирована различными полудрагоценными камнями и кусочками стекла. Глаза сделаны из обсидиана и белого каль­цита, брови из лазурита, рис. 6.

Рис. 6. Посмертная маска Тутанхамона

Египетская символика. В числе других предметов в гробнице найдена пектораль (украшение, которое носили на груди на лентах или цепочках) с изображением символов, приносящих удачу. Амулет, включавший в себя вырезан­ный в форме жука - скарабея камень и глаз небесного бога Гора-Уаджет. Именно эти знаки, обладавшие, по мнению египтян, магической символикой, чаще всего изображались на ювелирных украшениях. Скарабей олицетворял Херпи — божество утреннего солнца, ассоциировавшегося с бессмертием. Глаз Уаджет символизировал утерянное и вновь обретенное "око Гора", которое воскресило его отца. По верованиям древних египтян, каждый фараон при жизни считался воплощением бога Гора, сына Исиды и Осириса, который представлялся в виде сокола, а после смерти идентифицировался с отцом Гора – Осирисом.

Царственное величие Тутанхамона подчеркивали заплетенная борода и укрепленные на его головном уборе фигуры "урея" (кобры) и ястреба.

Сокол на пекторали символизировал бога солнца Ра.

Фигура египетского бога Анибуса с головой шакала вызывала ассоциа­ции со смертью: по поверьям египтян, он считался покровителем мертвых и хранителем некрополей.

Среди впечатляющих предметов, найденных в гробнице Тутанхамона, следует назвать нагрудные украшения, ожерелья и пекторали, серьги, браслеты. Ювелирные изделия украшались изображением грифов, соколов, скарабеев и крылатых богинь с распростертыми крыльями и в этом, очевидно, заключался магический смысл, рис.7.

Рис. 7. Египетские серьги, гробница Тутанхамона

Месопотамия. Земли Месопотамии раскинулись в Междуречье Тигра и Ефрата. Они были поделены между собой городами-государствами, одним из которых был Ур - крупнейший центр цивилизации шумеров. В эпоху расцвета – 3500 - 2300 гг. до н. э. – Ур представлял собой город с многочисленными храмами, площадями и зданиями общественного назначения.

Раскопки там начались в 20-е годы 20 столетия. Их проведением руко­водил в то время английский археолог Леонард Вулли, больше пяти лет по­святивший исследованиям этого района. Раскопками в этом районе занимались и специалисты Пенсильванского университета, которые в царской гробнице нашли многочисленные находки и в их числе была обнаружена богато укра­шенная арфа, датируемая приблизительно 2800 г. до н. э. Арфу украшала зна­менитая голова быка из Ура, сделанная методом чеканки из тонкой золотой пластины, наложенной на деревянную основу и украшенной лазуритом, рис. 8.

Рис. 8. Голова быка из золота и лазурита

Богатые трофеи ученых из царских гробниц Ура включали золотые и серебренные статуэтки, посуду, оружие и инкрустированные ювелирные украше­ния, отражавшие высокое мастерство ремесленников этой цивилизации.

В гробнице царя Киша - Меслима (примерно 28 в. до н.э.) были найдены и другие замечательные сокровища. С плеча правителя свисал золотой кинжал, рукоять которого вырезана из цельного куска лазурита, покрытого тонкой зо­лотой пластиной, а череп его венчал золотой головной убор, сделанный из та­ких тонких пластин, что их можно гнуть почти как бумагу.

Одним из шедевров шумерского ювелирного искусства является статуэт­ка, изображающая стоящего на задних ногах у священного дерева козлика. Пе­редними ногами он упирается в ствол дерева, и вся его фигура в высоту дости­гает пятидесяти сантиметров. Внутри козлик имеет деревянную, покрытую слоем битума основу, поверх которой потом и была наложена внешняя оболоч­ка. Морда и ноги животного покрыты тонкими золотыми пластинами, инкру­стированными лазуритом и перламутром. Таким способом древние мастера выделили завитки рун животного, выступающие лопатки, а также глаз, бород­ку, и витые рога. Живот козлика выполнен из серебряной пластинки, искусно сделаны и все остальные детали, например, завитки шерсти на спине и боках вырезаны из маленьких гравированных кусочков раковин, воткнутых в битум, рис. 9.

Рис. 9. Статуэтка козлика

Подставка самой статуэтки украшена серебряными полосами и красно-розовой мозаикой. Золотое дерево, к которому серебряными цепочками прико­ваны передние копытца козлика, высоко поднимает изогнутые ветки с изящ­ными цветами и листьями. Излюбленное шумерскими художниками цветовое созвучие сияющего золота с холодным мерцанием синего лазурита и нежными переливами перламутра рождает яркий декоративный эффект.

Найденные в гробницах правителей Ура изделия из драгоценных метал­лов свидетельствуют о высоком мастерстве шумерских ювелиров, которые в совершенстве освоили технику обработки золота и серебра, умели делать из них сплавы, чеканить, ковать и инкрустировать цветным камнем, украшать зерном и тончайшим филигранным кружевом.

Жители Ура в эпоху его расцвета любили украшать себя ювелирными изделиями.

Финикия. Финикийцы (сидоняне) населяли сирийско-палестинское побережье, т.е. территорию современного Ливана. Финикийское государство известно с 3 тысячелетия до н.э., которое в 6 в. до н.э. было завоевано персами, а в 332 г. до н.э. Александром Македонским. Финикийцы были прекрасными мореходами и торговцами. Они торговали пурпурной краской из Тира, специями, драгоценными породами дерева, украшениями из золота, серебра и самоцветных камней. Поиск сырья побуждал финикийцев покидать родные берега и осваивать новые земли. В числе их колоний были знаменитый Карфаген  и Утюика в Северной Африке, города на западном побережье Сардинии, Матия в Сицилии – и даже территории за Геркулесовыми столбами. Финикийцы были искусными златокузнецами, они соединяли золото, самоцветные камни и стеклянную пасту в технике клаузонне (перегородчатой эмали), применяли грануляцию и филигрань. На рис. 10 показана причудливая подвеска, длиной 10см, с желудем и фигуркой сокола. Изысканный декор, в котором умело сочетаются грануляция, ковка и филигрань.

Рис. 10. Подвеска с желудем и фигуркой сокола, 7-6 вв. до н.э.

Крит, Микены, Троя. Эгейская культура развивалась на островах и берегах Эгейского моря, в восточной части Средиземноморья. Центром эгейской культуры был остров Крит. Она захватывала также Кикладские острова, Пелопоннес, где находились города Микены, Пилос и Тринф, и западное побережье Малой Азии, в северной части которого находилась Троя. Эгейскую культуру называют также крито – микенской.

Крит. В среднеминойский период (конец 17– начало 16 в. до н.э.) согласно фрескам Старой башни Кносского дворца женщины одевались в платья с широкими юбками, стянутыми в талии, с открытой грудью и пышными рукавами, на тщательно причесанных волосах – диадемы и ожерелья. Найденные на Крите статуэтки богинь, держащих в руках змей, сделанные из фаянса, фаянсовые таблички с разноцветными фигурами летучих рыб, раковины, козы с козленком и другие сочетают обычную для эгейского искусства декоративность и изысканность с большой долей реалистической наблюдательности. Статуэтки богинь со змеями, с их традиционным критским костюмом и украшенным цветами убором на голове, с их торжественной, неподвижной позой были изображаемой во всем Средиземноморье богини – покровительницы всего живого, богини растительности; змея, атрибут богини, считалась священным существом.

Шедевром  критской мелкой пластики можно назвать статуэтку богини со змеями Бостонского музея, сделанную из слоновой кости и золота (17 см высоты), рис.11.

Рис.11.  Богиня со змеями

Ее стройная фигурка так же одета в длинное платье со сборками, и так же в вытянутых руках она держит змей. Но лицо трактовано более реально, чем фаянсовых статуэток, и более тонко моделировано.

Микены.  Эгейское искусство, сложившееся на материке Греции, обычно называется микенским. Расцвет микенской культуры относится к 1500 – 1200 гг. до н.э. Микены погибли от пожара в 1200 г. до н.э.

Гомер называет Микены златообильными. Раскопки Шлимана, открывшие в Микенах купольную гробницу 14 в. до н.э. и названную им «сокровищницей Артея», по имени отца царя Агамемнона, вождя ахейцев, героя Троянской войны и раскопки 50-х годов 20 в. дали совершенно исключительные по богатству и отчасти художественному мастерству вещи: так называемая «маска Агамемнона» (полное достоинства лицо, закрытые глаза, изящные борода и усы дают основание полагать, что это важная персона, возможно местный правитель) рис.12, кубки, чаши, сосуды – грубой местной работы, но массивные, из горного хрусталя с ручкой в виде головы утки; тяжелые бронзовые мечи с рукоятками из слоновой кости с инкрустацией золотом; множеством бляшек, украшавших, вероятно, погребальный полог и одежду; кинжалы критской работы с изумительной по тонкости инкрустацией на клинках, изображающей бегущих львов и др.

Рис.12. Маска Агамемнона

Микенцы, сменившие на Крите минойцев, принадлежали к числу самых удачливых купцов в бассейне Эгейского моря, они возводили большие укрепленные города. В сложной социальной иерархии свое место занимали ремеслиники и кузнецы: в основном они работали на богатых представителей высшего сословия.

После 1500 года до н.э. микенцы завоевали не только Крит, но также Родос, Кипр и острова Киклады.

Микенцы хоронили своих правителей в шахтных погребениях, наполняя их золотой и серебряной посудой, оружием, резным янтарем и слоновой костью, ювелирными украшениями и другими предметами. Тела некоторых покойников мумифицировали, а лица их покрывали  золотыми масками, как это делали в Древнем Египте.

В более поздние времена микенской истории царей и предводителей высшей знати стали хоронить в больших склепах, самый крупный из которых содержал сокровища Атрея – его то и раскопал в Микенах Шлиман.

К 1200 г. до н.э. мощь микенцев начала ослабевать и к 1100 г. до н.э. города их были завоеваны.

Сокровища Трои. Генрих Шлиман в поисках легендарной гомеровской Трои проводил раскопки на северо-западе Турции – на холме Гисарлык, у входа в пролив Дарданеллы. Раскопки продолжались с 1871 по 1890 год, но самым удачным оказался сезон 1873 года. Так 17 июня 1873 года рабочие копали участок близ городской стены у Скейских ворот, где (по Гомеру) Андромаха прощалась Гектором перед его уходом на бой с Ахиллом. Ранним утром в раскопе что-то блеснуло. Опасаясь со стороны рабочих кражи, Г.Шлиман отпустил их всех, а сам стал копать вместе с женой. Им посчастливилось найти множество золотых предметов (более 10 тысяч вещей) находившихся в серебряном двуручном сосуде. В их числе были кольца, серьги, браслеты, шейные гривны, золотые бусины, налобная золотая лента, массивный золотой соусник (весом около 600 граммов). Но самым крупным открытием оказались две диадемы, одна из которых сделана из более 16000 звеньев золотой цепи, рис13.

Рис.13. Ожерелье из клада Приама

Вот что писал Шлиман о своей находке: «В большой серебряной вазе я нашел две превосходные золотые диадемы, еще одну диадему, выполненную с исключительным мастерством, четыре искусно сделанные серьги и ожерелье. Над ними находилось 56 золотых подвесок весьма необычайной формы и 8750 маленьких колец, перфорированных призм и кубиков, золотых застежек и т.п., очевидно принадлежавших к другим украшениям. За ними последовали шесть золотых браслетов, а наверху клада – две небольшие золотые чаши. Я также нашел две золотые пластины, каждая по 5см в длину и в каждой по 21 небольшому отверстию».

Шлиман полагал, что это корона Елены Троянской (которую сын царя Трои Приама Парис похитил у ее мужа спартанца Минелая), однако позднее найденные им сокровища, в числе которых было около 8000 предметов, специалисты датировали 2500 –2200 гг. до н.э., то есть находки Шлимана оказались на 1000 лет старше царя Приама.

«Клад царя Приама» как их назвал Г.Шлиман длительное время хранились в Берлинском музее древней и древнейшей истории. Во время Второй мировой войны при сдаче Берлина троянские вещи были переданы советскому командованию.

В Советском Союзе «трофеи» из Берлина хранились в режиме особой секретности, и только в 1993 году правительство России объявило, что сокровища Трои находятся в Москве.

2.2. Античное ювелирное искусство

Искусство Древней Греции сыграло важнейшую роль в развитии культу­ры и искусства человечества. В Греции (Элладе) несмотря на наличие рабского труда, огромную роль играл свободный труд ремесленников. В основе расцвета искусства Древней Греции лежит, прежде всего, развитие в греческих рабовла­дельческих городах свободной гражданской жизни.

История Древней Греции и соответственно история греческого искусст­ва прошла следующие ступени своего развития.

  Искусство Гомеровской Греции (12-8 вв. до н.э.) - время распада родовой общины и зарождения рабовладельческих отношений.

На этот период приходится развитие эпохи и появление первых, прими­тивных памятников изобразительных искусств. Скульптура гомеровского вре­мени дошла до нас лишь в виде мелкой пластики большей частью явно культо­вого характера. Эти небольшие статуэтки, изображающие большей частью бо­гов или героев, делались из терракоты (глины), слоновой кости или бронзы.

  Архаика, или период образования рабовладельческих городов - государств (7-6 вв. до н.э.). Это - время борьбы складывающийся собственно античной художественной культуры с остатками и пережитками старых обще­ственных отношений и с условными, еще далекими от реализма художествен­ными тенденциями. Период архаики был периодом расцвета художественных ремесел. Особенно высокого расцвета достигла греческая керамика. Лучшие произведения мастеров вазописи были подлинными художественными созданиями. Потребность в изделиях прикладного искусства вызывалось ростом благосостояния значительной части свободного населения.

  Классика, или период расцвета греческих городов-государств (5 и большая часть 4 в. до н.э.). Классика — это время высокого расцвета философии, важных естественнонаучных открытий, блестящего подъема в архитектуре и полной победы реализма в изобразительных искусст­вах. В произведениях ювелирного искусства Древней Греции классического периода важнейшим средством художественных эффектов является матовый блеск кованного (битого) золота. Следует отметить, что в этот период широко применялся технический прием, называемый дифовка (выколотка), когда под непосредственными ударами молотка, металл тянется, изгибается, садится и в результате приобретает необходимую форму. Виртуозного искусства выколот­ка достигла в руках величайших античных скульпторов Фидия и Поликлета, которые одевали в золотые одежды свои статуи Зевса, Афины и Геры, дифуя их из тонких золотых листов.

Отличительной чертой ювелирного искусства было богатство мотивов и сюжетов. Изделия отличались роскошью благодаря одновременному применению чеканки, филиграни, грануляции, насечки, гравировки, перфорированию и штамповки. В результате получались великолепные серьги, изысканные ожерелья, пекторали, ободы из золота и электроно-природного сплава золота и серебра, рис. 14,15.

Рис.14. Серьги ладьевидного типа со цветочным декором, конец 4 в. до н.э.

Рис.15. Золотое ожерелье с подвесками из львиных и женских голов, 400-

  350 гг. до н.э.

Начиная с 5 в. до н.э. творения греческих ювелиров стали вывозить за пределы государств Великой Греции. Они распространялись повсюду – от Черного моря до Южной Италии. В процветающих царствах, таких как Македония и Фракия, где имелись значительные запасы своего золота, аристократия пользовалась услугами греческих мастеров. В Панагюришском кладе, найденном во Фракийской долине, на территории нынешней Болгарии, найдены замечательные сосуды-ритоны греческого искусства 4 в. до н.э. На рис.16 представлен ритон в виде головы амазонки – шедевр греческого ювелирного искусства постклассического стиля.

Рис.16. Ритон в виде головы амазонки

Другим замечательным произведением ювелирного искусства является ритон из Панагюришского клада, выполненный в виде головы оленя. На его горлышке изображены две сцены: Геракл, поймавший керинейскую лань, и Тезей, сражающийся с марафонским быком.

Рис.17. Ритон в виде головы оленя

Эллинистический период (конец 4—1 в. до н.э.). В 336 г. до н. э. к власти пришел Александр Великий (Македонский), который создал огромную империю, в состав которой входили Малая Азия, Сирия, Египет. Месопотамия, Персия, Афганистан и долины Инда. Эпоху, продолжавшуюся со смерти Алек­сандра в 327 г. до н.э. (конец периода классицизма) до завоевания Греции Ри­мом в 27 г. до н.э., сейчас принято называть эпохой эллинизма. В этот период происходило распространение греческой культуры в Египте и в страны Азии и растущее влияние в самой Греции восточных и египетских идей. Создавшиеся в эпоху эллинизма изделия из металла являются собой огромное разнообразие смешанных стилей наряду с привнесением некоторых новых мотивов, в част­ности, таких, как птицы и полумесяц.

Стили ювелирных украшений, прежде всего серег, значительно измени­лись: серьги в форме ладьи, популярные в классический период, ко 2 в. до н.э. почти исчезли, вытесненные многочисленными разновидностями круглых сеpeг, изготовленных из золотого плетения, или полых золотых трубочек, кото­рые с внешней стороны нередко украшались изображениями животных, как львы, козлы, собаки и быки рис.18.

а  б 

Рис. Бусы классического (а) и эллинистического (б) периодов

Важным новшеством, характерным для эллинистической Греции, было использование цвета. Если в Греции классического периода камни редко укра­шали изделия из металлов, то в эпоху эллинизма для этой цели стали широко применять сердолик, гранаты, изумруды и аметисты наряду с фаянсом и эма­лью. Кроме этого нововведения широкое развитие - особенно при изготовле­нии серег - получили филигрань и зерно.

В Греции - как и в Вавилоне, Египте, а также минойской и микенской цивилизации - для подтверждения подлинности и установления принадлежно­сти документов широко применялись гравированные печати.

  Искусство Древнего Рима. История Древнего Рима от его основания по преданию братьями Ромулом и Ремом около 754/753 г. до н.э. и до крушения Западной Римской империи в 467 г. н.э. знала правление царей в 8-6 вв. до н.э., республиканский период (519/509 г. до н.э. – 27 г. до н.э.) и время великой империи.

С конца 16 в. до н.э. ведущее значение в античном мире приобретает рим­ское искусство. Искусство Древней Италии и Древнего Рима распадается на три основ­ных периода:

  - Искусство доримской Италии (3 тысячелетие до н.э. – 3 в. до н.э.)

  - Искусство Римской республики (3-1 вв. до н.э.)

- Искусство Римской империи (конец 1 в. до н.э. - 5 в. до н.э.).

  Этрусское искусство. Цивилизация этруссков располагалась на терри­тории современной центральной Италии между реками Тибр и Арно, ныне из­вестной под названием Этрурия, расцвет которой пришелся на период с 7 по 3 вв. до н.э. Их культура отличалась высокой степенью усложненности и изы­сканности. Обработка бронзы в это время достигла большого совершенства: употреблялось литье, последующая чеканка, гравировка, выполнялись статуи крупных размеров. Одним из таких произведений 5-4 вв. до н.э. является знамени­тая скульптура Капитолийской волчицы рис.19.

Рис.19. Капитолийская волчица

Волчица изображена кормящей Ромула и Рема (фигуры их утрачены; существующее ныне выполнены в 16 в.). В этой скульптуре зрителя поражает не только наблюдательность в воспроизведении натуры (с большой точностью переданы постановка фигура — напряженно вытянутая вперед морда, оскаленная пасть, проступающие сквозь кожу ребра), но и умение художника усилить все эти детали и объединить их в единое целое - образ хищного зверя. Недаром статуя Капитолийской волчицы в последующие эпохи воспринималась как яр­кий символ сурового и жестокого Рима.

Ремеслиники Этрурии славились своими работами из золота, бронзы и глины. Этрусские гончары  применяли особую технику так называемую буккеронеро (черной земли): глина прокаливалась, приобретая при этом черный цвет. После формовки и обжига изделие подвергалось лощению (полировки трением). Эта техника была вызвана стремлением придать глиняным сосудам сходство с более дорогими металлическими сосудами. Стенки их обычно украшались изображениями, а на крышки иногда помещали петуха или другие фигуры.

В развитии ювелирного мастерства этрусков принято выделять две фазы. Наиболее искусные и сложные по произведения, особенно в технике чеканки, филиграни, грануляции и других приемах обработки металла, созданы в ранний период их истории – в 7-5 вв. до н.э.

В погребениях в Палестрине и в Черветерне было много драгоценной посуды, изделий из слоновой кости и бронзы, сосуды для вина и благовоний, личные украшения, отличающиеся особой роскошью. К мужским украшениям относятся кольцеобразные фибулы и пряжки из золота и серебра; к женским – серьги, пекторали, браслеты и фибулы. Эти предметы часто привозились из Греции или же изготовлялись на месте.

Великолепные образцы этрусских ювелирных изделий показаны на рис.20,21.

Рис.20. Серьги в виде шкатулок для драгоценностей – типичное изделие

 этрусского стиля

Сюжеты для декора показанных изделий могли быть разные, в данном случае – это фигура «Владычица зверей» между двумя львами. Диаметр каждой серьги 1,2см.

Рис.21. Бляха с чеканным изображением двухголового мужчины (вверху) и

 три круглые буллы (внизу)

Бляха обрамлена чеканным орнаментом с зернью и напылением. Диаметр бляхи 4см конец 5 в. до н.э. Круглые буллы изготовлены из двух соединенных вместе пластин. Вычеканенные на их передней стороне изображения относятся к двум мифологическим сюжетам. На булле в центре – женщина, обнимающая двух мужчин; на двух других – квадриги. Диаметр каждой буллы 6,5см середина 4в. до н.э.

Изделия, создававшиеся в позднюю эпоху, датируемую 4–3 вв. до н.э., выполнены более грубо. Около 250 г. до н.э. этрусская цивилизация была поглощена бурно развивающимся римским государством. После этого этрусские ювелиры продолжали работать на римлян.

Искусство Римской республики.  Доминирующее положение в римской скульптуре занимает портрет. В республиканскую эпоху были созданы портреты большой художественной силы. Так, например, бронзовый бюст римлянина – так называемый “Брут” из Полаццо Консерватории в Риме (вторая половина 4 в. до н.э.) дает пример портрета, в котором раскрыт человеческий характер. В этом произведении нашел яркое воплощение образ сурового непреклонного римлянина эпохи республики. Более обобщенным является пластическое решение портрета.

К области декоративного искусства поздней республики относится большой алтарь Гнея Домиция Агенобарба (36 – 32 гг. до н.э.). На главной продольной стороне его – рельеф с изображением торжественного жертвоприношения, связанного с составлением цензовых книг. Административный акт – запись имущества граждан – освещается жертвоприношением свиньи, овцы и быка. С чисто римской обстоятельностью переданы фигуры чиновника, граждан, столы цензовых книг, украшенные гирляндами цветов, жертвенные животные, жрицы, слуги, воины. Здесь же у алтаря вместе с другими персонажами помещен бог войны Марс. Композиция рельефа строится по принципу последовательного размещения фигур, следующих одна за другой. Три другие стороны алтаря покрыты рельефом, сюжет которого взят из греческой мифологии. Это – свадьба морского бога Посейдона и Амфитриты. Торжественная колесница сопровождается трубящими в рог тритонами, нимфами, морскими конями; в воздухе летают эроты. Рельеф, выполненный с большой мягкостью, указывает на глубокое воздействие греческого искусства. Сочетание чисто римской темы жертвоприношения с греческой мифологической темой характерны для того времени.

Лучшие образцы римского искусства часто представляли собой копии с греческих подлинников. В республиканский период получила мода на кулоны, сделанные из монет. На рис.22 показан медальон с выгравированным мужским портретом Корнелия Сциплона Африканского Старшего. На другой стороне медальона золотых дел мастер поместил надпись «(Неra) kleidas epoiei». Это украшение изготовлено в республиканский период (2-1 в. до н.э.) и происходит из Санта Мария Капуа Ветере. Разнообразные варианты ожерелий состояли из простых золотых цепочек с золотой бусиной или кулоном круглой формы с полудрагоценными камнями.

Рис.22. Медальон с портретом Корнелия Сциплона Африканского Старшего

 и ожерелья из простых золотых цепочек

Искусство Римской империи.  Время от конца 1 в. до н.э. до падения Рима (5 в. н.э.) носит название Периода империи. Последние десятилетия 1 в. до н.э. и начала 1 в. н.э. – время расцвета римской культуры и искусства. Примером официального портрета является статуя императора Августа из Приама Порта (близ Рима), относящиеся к 1 в. н.э. Август изображен в виде полководца, в панцире, с жезлом в левой руке; подняв правую руку, он обращается с речью к войску. Поза Августа проста и величава. Черты лица – широкий спокойный лоб, маленький рот, острый подбородок, слегка торчащие уши и небольшие зоркие глаза, передавая сходство, трактуются все же несколько идеализированно, так что облик приобретает облагороженный характер.

Римское декоративное искусство достигло очень высокого развития. Резные, чеканные золотые и серебряные чаши, роскошные сосуды из стекла, оправленного в золото, прекрасные ткани украшали удобные и красивые дома богатых римлян. О замечательных художественных качествах изделий прикладного искусства свидетельствуют относящиеся к 1 в. н.э. серебряные сосуды, найденные в Хильдесхайме (Германия), в Боскореале (неподалеку от Помпей), в Милденхолле (в графстве Суффолк) и других местах.

В 1868 г. около города Хильдесхайм был найден богатый клад, состоявший примерно из 70 предметов римского серебра, начала 1 в. н.э. Одно из наиболее впечатляющих изделий, входивших в его состав, – «чаша для смешивания вина», украшенная изображениями обнаженных детей, балансирующих на листьях водных растений, извивающихся вокруг пары грифонов. Кроме этой чаши в числе сокровищ были и другие замечательные находки, например, три блюда в фигурами Минервы, Кибелы и Геракла и складной серебряный треножник со съемным подносом, рис.23.

Рис.23. Чаша для смешивания вина

Аналогичные собрания римских сосудов, дошедших до нас от 1 в. н.э., раскопаны в Помпеях. В 1895 г. один из землекопов, работавших на раскопках виллы Боскореале, неподалеку от Помпей, на дне огромного винного чана обнаружил чудесную коллекцию серебряных изделий. Она включает в себя 109 предметов, в том числе такие великолепные изделия, как прекрасно отполированные зеркала, чаши для питья и блюдо. Одним из восхитительных предметов этой коллекции является серебряный кубок с четырьмя сюжетными изображениями скелетов под гирляндами из роз. Каждая сценка имеет подпись, комментирующую рисунок, как например: “Наслаждайся жизнью, пока можешь”.

В 1946 г. при раскопках в Милденхолле, в графстве Суффолк обнаружен клад римских изделий, относящихся к 4 в. н.э., состоящий из 34 серебряных предметов. В этом кладе найдено восхитительное круглое серебряное блюдо «Тритон» диаметром около 61 см; оно целиком покрыто рельефными изображениями. Его центральный образ – маска бога – титана Океана: у него зоркие глаза, широкий нос и скулы, густые усы и борода из морских водорослей, между ее косами резвятся четыре дельфина. Вокруг маски располагаются две концентрические окружности, разделенные линией, выложенной раковинами морского гребешка, за которой расположено несколько красочных фигурных сцен. На одной из них изображен бог вина Бахус: нога его на спине пантеры, а в руке гроздь винограда; на другой – Геракл, которому помогают два молодых сатира: один поддерживает его спереди, а другой обхватил поперек груди сзади. Остальное пространство заполняют персонами римской мифологии: они играют на музыкальных инструментах, резвятся, танцуют, рис.24.

Рис.24.  Блюдо «Тритон»

Наиболее популярными ювелирными украшениями у жителей Древнего Рима были кольца, перстни  и печатки. Римляне – мужчины, так и женщины – завели моду одновременно носить несколько колец, а также дарить кольца в знак помолвки. Ранние образцы обручальных колец были сделаны из железа, поскольку носить ювелирные украшения из золота категорически запрещалось. Драгоценные камни в такие кольца не вставлялись. Большая часть колец и перстней носила чисто декоративный характер, однако некоторые из них были талисманами и амулетами, символизировали принадлежность к той или иной профессии или служили в качестве личных печатей, рис.25

Рис.25. Кольца-перстни с камнями

2.3. Искусство Древней Персии (Ирана)

Персидская цивилизация – одна из самых замечательных в Древнем мире. Зародилась она на Иранском нагорье, расположенном к востоку от Месопотамии, во 2-м тысячелетии до н.э., и со временем на этой территории были построены крупные города.

Своего наивысшего могущества древнеперсидская Ахеменидская империя достигла в 5в. до н.э., когда в ее состав кроме Мидии, Армении, Ассирии, Вавилонии и Сирии были включены вся Малая Азия, Египет, а также Средняя Азия и таким образом границы ее распространялись до пределов Индии.

В произведениях древнеперсидского прикладного искусства, при создании которых художник был менее связан в своем творчестве с официальными требованиями, чувствуется большая свобода и наблюдательность. Своеобразной пластичностью отличатся полуфигуры крылатых животных на серебряных ритонах, трактованные в несколько тяжеловесных и обобщенных формах.

Ритон – типично иранский рог для питья, обычно отливавшийся в форме волка, лошади, барана, змеи, грифона или оленя, рис. 25.

Рис.25. Персидский серебряный рог для питья, 700-500 гг. до н.э.

Мидийцы в правление Кира II Великого (6 в. до н.э.) запечатлели в своем искусстве животных – от крылатых быков до лебедей и козерогов, одним из образцов их изделий является серебряное блюдо, на котором изображен лев, нападающий на быка. С реалистическим мастерством и подлинным изяществом выполнена небольшая фигурка крылатого козерога, служащая ручкой серебряной вазы, предположительно относимой к изделиям ахеменидских мастеров.

Ахеменидское придворное искусство, несмотря на его известный эклектизм, является интересной страницей в истории художественной культуры древнего мира.

В Сасанидском Иране (224 – 65 гг. до н.э.) высокого подъема достигло прикладное искусство, особенно художественные ткани и изделия из золота и серебра. Для дворцов и знати изготовлялось множество утвари из драгоценных металлов. Ювелирные изделия той эпохи представлены золотыми украшениями с гравированными изображениями чудовищ, птиц, коней и сцен охоты. Изделия из серебра отражают пышность придворной жизни: блюда, чашки, графины и кувшины изобилуют сценами застолья. Серебряные плоские чаши или блюда украшены рельефными сценами охоты или пира, реже изображениями богов или мифических существ. Персидские мастера умело и красиво располагали фигуры в соответствии с формой сосуда. Как и в монументальных рельефах, композиции носят целостный, картинный характер.

Повторяющийся сюжет гравированных рисунков - правитель на троне. Крылатые кони, поддерживающие трон, символизируют бессмертие души шаха.

Помимо изображения обычных животных, для украшения своих изделий персы обращались и к образам существ, созданных их воображением, которые объединяли черты разных зверей. Так мифическая птица “симург” сочетала в себе атрибуты павлина, льва, грифона и собаки. По преданию, это существо несло хорошие предзнаменования.

Техника исполнения рельефа на сасанидских чашах многообразна и совершенна. Чаще всего фигуры выпуклые, чеканные или литые; применялась также разнообразная гравировка, которой наносился плоскостной рисунок; встречается инкрустация металла в металл.

В средние века нашей эры иранские златокузнецы в совершенстве владели многими видами художественной обработки драгоценных металлов: техникой чеканки, гравировки, басмы, эмали и черни. Особая красочность и богатство декора присущи всем иранским предметам. Искусно украшенные булавы, перначи, палаши и другие предметы парадного вооружения пользовались особым спросом. Выдающимся памятником иранского искусства 16 века является щит из булатной стали мастера Мумин - Мухамета, принадлежащий известному русскому воеводе, боярину Ф.М. Мстиславскому, рис.26.

Рис.26. Булатный щит боярина Федора Мстиславского 16в.

Щит выкован из цельного листа “красного” булата, поверхность инкрустирована золотом. Поверхность щита вычеканена сорока двумя косыми вогнутыми дольками, которые гладко отполированы и через одну инкрустированы золотом. Одни полосы украшены орнаментами, на других очень тонкие рисунки представляют военные и охотничьи сцены, отдельных людей, птиц и зверей. Этот выдающийся памятник не имеет себе равных по отделке. Золотая насечка на стальной поверхности щита поразительной красоты и художественного совершенства.

Излюбленным направлением деятельности иранских мастеров было конское убранство: седла, стремена, чепраки, узды, отличавшиеся необычайной роскошью. Конь на востоке считался самым близким другом человека и его стремились украсить как можно богаче. Большинство седел и узд украшены яшмовыми и перламутровыми вставками, в которых закреплялись рубины, изумруды, жемчужины. Сидение и крыльца обивались бархатом, атласом, украшались серебряными и золотыми накладками с пышным узором. Особой популярностью в украшении конского убранства была бирюза, которую в Иране любили и которой присваивали чудодейственные свойства.

 В качестве богатого подарка царю Борису Годунову в 1604 г. был привезен послом Лачин-беком от шаха Аббаса I (1587-1629 гг.) уникальный золотой трон. Трон с низкой спинкой и высоким сидением покрыт листовым золотом с тонким тиснением травным узором и сплошь усыпан темно-красными рубинами, жемчужинами и бирюзой разнообразных оттеков – от белого до ярко-синего, рис.27.

Рис.27. Трон царя Бориса Годунова, конец 16 в.

Необычайным подарком 17 в. является «алмазный» трон, привезенный армянской торговой компанией Ирана царю Алексею Романову в 1659 г. за право беспошлинной торговли в России. Трон украшен бирюзой, рубинами и алмазами. Алмазов на троне около 800 штук, от них трон и получил свое название. На спинке трона по черному бархату вышиты два гения и между ними щит с надписью на латинском языке: «Могущественнейшему и непобедимейшему Московии императору Алексею, на земле благополучно царствующему, сей трон великим искусством соделанный...», рис.28.

Рис.28. Трон «алмазный» царя Алексея Михайловича, 1659 г.

2.4.        Искусство Древнего Китая, Индии, Таиланда

Китай. История культуры Древнего Китая насчитывает около пяти тысячелетий своего существования. Своеобразный художественный стиль сложился в Китае очень рано, и, несмотря на изменения, проходившие в течение последующего времени, некоторые его характерные черты не меняются на протяжении всего развития искусства - от древнейших времен вплоть до наших дней.

В период Шань (Инь), относящийся ко 2 тысячелетию до н.э. строились грандиозные по размерам гробницы знати. Все предметы, которые помещались в гробницах, были связаны с религиозными представлениями и имели уже установленное традицией назначение. В гробницах найдены фигуры фантастических существ: человека - тигра и хищного рогатого зверя “таоте” - символа сверхъестественной силы, традиционно изображавшегося в виде геометризированной симметрично построенной маски с круглыми глазами на плоской морде, с рогами и клыками в форме завитков.

Наиболее многочисленными среди произведений искусства Шань (Инь) являются изделия из бронзы, особенно бронзовые сосуды бытового и культового назначения.

Техника обработки бронзы в Китае достигла более высокого развития, чем в других странах древности. Этот вид ремесленного производства был выделен в особую отрасль около 1500г. до н.э. Шаньские ремесленники делали из бронзы восхитительные предметы самого различного назначения - от колоколов до тщательно отполированных зеркал. Одним из наиболее впечатляющих образцов их мастерства стали ритуальные бронзовые чаши (сосуды), употреблявшиеся правителями и феодальной знатью при отправлении культа предков. Обычно бронзовые сосуды снаружи покрыты символическими изображениями, а внутри имеют иероглифические надписи - дарственные или указывающие на имя владельца. Каждый из этих сосудов в зависимости от формы имел собственное название и использовался в строго определенных целях. Котел для приготовления пищи на трех или четырех ножках назывался «динь», а сосуд с двумя далеко выступающими ручками для жертвоприношений назывался «гуй». Наиболее распространенные мотивы их декоративного украшения - дикие, домашние или мифические животные, такие как лошади, буйволы, бараны, тигры, слоны, олени и драконы. На некоторых бронзовых изделиях изображены совы, попугаи, рыбы и змеи, рис.29.

Рис.29. Китайский ритуальный сосуд

В период Шань (Инь) достаточно высоко стояла и техника резьбы по камню и кости. Из красивого полупрозрачного и необычайно твердого камня нефрита выделывались ритуальные предметы, предназначенные для культовых церемоний и предметы роскоши. Нефрит в Китае считается символом удачи, доброты, смелости, мудрости и чистоты. Китайцы верят в защитные и целительные свойства нефрита, которые могут открыть человеку путь в бессмертие. На поверхность камня первоначально наносился рисунок, по которому алмазом производилась резьба или высверливание отверстия. Нефритовые украшения и скульптурные изделия подвергались шлифовке гранатовым или корундовым песком, а также сырым песком.

В шаньских погребениях найдено много различных предметов из нефрита. Это оружие, серьги, украшения в форме рыб, птиц и зверей, искусно выточенные, покрытые характерным для того времени орнаментом и гладко отшлифованные.

В 1968 г. археологи открыли впечатляющие гробницы принца Лю Шена и его жены Тон Ван. Принц Лю Шен был похоронен в 113 г. до н.э. в гробнице, вырубленной глубоко в скале, которую потом замуровали каменными глыбами и залили расплавленным железом. Чтобы открыть проход к предметам, погребенным в гробницах (а их было более 2800 шт.), образовавшуюся железную стену пришлось взрывать динамитом. Каждое из захоронений состоит из нескольких связанных между собой помещений, среди них были даже комнаты для омовений. К числу наиболее замечательных из сделанных там находок относятся нефритовые «погребальные костюмы», в которые были облачены тела Лю Шена и Тон Ван. В древних китайских текстах говорится, что такие нефритовые «костюмы» делали для императоров и наиболее высокопоставленных представителей аристократии династии Хань, однако «костюмы» Лю Шена и Тон Ван были первыми из найденных.

«Костюм» принца состоял из 2690 кусков нефрита, соединенных 39 унциями (1110г) золотой проволоки, рис.30.

Рис.30. Погребальный костюм из нефрита

Нефрит вырезался так, что куски его вплотную соприкасались друг с другом, образуя, доспехи, охватывающие тело. В уголках каждого нефритового квадратика были высверлены дырочки, сквозь которые можно было продевать золотую проволоку. Из гробниц извлекли и другие необычайные предметы: инкрустированные золотом изделия из бронзы, лаковые миниатюры, резные каменные статуэтки и керамические фигурки, рис.31.

Рис.31. Золоченые бронзовые леопарды

Во второй половине 1 тысячелетия до н.э. значительно отличаются от предшествующих периодов стиль и содержание прикладного искусства: мелкой пластики, изделий из бронзы, нефрита и керамики. Изготовляется много новых, ранее не встречавшихся художественных изделий, например зеркала, выплавляемые из высококачественной бронзы, полировавшиеся ртутью. С обратной стороны зеркала украшались сложным и тонким орнаментом, золотились и иногда раскрашивались. Появляется также много новых форм бронзовых сосудов. Сосуды времен Чжанью (480 – 221 гг. до н.э.) отличаются большим изяществом и стройностью, виртуозной тонкостью орнамента. Для их украшения в большом количестве применялись различные виды инкрустации драгоценными камнями, цветными металлами - медью и серебром, - а также золотом. Мастера древнего и средневекового Китая обрабатывали различные материалы (кроме драгоценных металлов - коралл, нефрит, янтарь и др.) более сдержанно, стремясь подчеркнуть в них не только светоотражательные свойства, сколько окраску и даже природную структуру.

Искусство Индии. Культура Древней Индии начала складываться уже в 3 тысячелетии до н.э. и была связана с другими художественными культурами Древнего мира: от Шумера до Китая.

Большим мастерством исполнения отличаются предметы бронзового литья, ювелирного и прикладного искусства, найденные в Мохеджо-Даро и Хараппе, восходящие к 2500 - 1500 гг. до н.э. Так, на одной из печатей изображено трехликое божество, голова которого увенчана круто загнутыми кверху рогами. Вокруг него изображены олень, носорог, буйвол, слон и другие животные, считавшиеся священными.

Это многоликое божество является прообразом брахманского Шивы в одном из его обликов покровителя зверей. Предполагается, что найденные в раскопках женские фигуры представляли богиню плодородия, образ которой впоследствии был связан с брахманскими «экшини» - духами плодородия.

Изображения животных на печатях выполнены очень тонко и с большой наблюдательностью: горный козел, круто повернувший голову с длинными рогами, тяжело ступающий слон, величественно стоящий священный бык и др. В отличие от животных изображения людей на печатях условны. В период правления в Индии династии Гуптов (с 320 по 530 гг.) индийское искусство переживало свой золотой век, что, в частности, нашло отражение в создании эстетически совершенных бронзовых скульптур. Три столетия спустя династия Чолов оживила эту традицию, воплотив ее в бронзовых фигурах, запечатленных в экспрессивных танцевальных позах. Динамичные, но исполненные спокойного достоинства, эти скульптуры представляют наиболее артистическое воплощение духа индуизма. Многочисленные и разнообразные индуистские божества выражают идеи брахманизма, символизируемого божественной троицей - Брахмой, Шивой и Вишну. Брахма (Великий Бог) является созидателем, творцом Вселенной и всего сущего. Изображается четырехликим, четырехруким, сидящим на лебеде. Вишну (Солнечное божество, Великий Бог) - хранителем, представляется в благожелательной форме, а Шива (Верховный, Великий Бог) - разрушителем, управляющим жизнью и смертью, изображается в грозном виде, часто в священной пляске, или аскетом, погруженным в созерцание.

Многорукие божества стали общепринятой условностью индуистского искусства. Руки скульптур всегда изображаются попарно и передают какой-то аспект божественной воли.

Шива является третьим лицом в божественной триаде “Брахма-Вишну-Шива” индуистского пантеона и вместе с тем одним из самых популярных. Среди разных имен (около 1008) и многочисленных обликов Шивы с 10-11 вв. популярным стал образ «Танцующего Шивы-Шивы Натараджи».

Уникальная статуя Шивы Ната раджи высотой 110 см найдена во время археологических раскопок, проводившихся неподалеку от храмового комплекса Шиварампурам, сооруженного около 1200 года. Бронзовая статуэтка представляла вариант танцующего Шивы, который исполняет священный танец, выражающий космическую энергию.

Индуисты верят, что, когда Шива танцует, мир погружается в хаос, а звезды беспорядочно падают на землю. Во время магического танца Шива сначала в бурном порыве разрушает Вселенную, а потом столь же энергично восстанавливает ее. В то время как руки Шивы находятся в неистовом движении, а ленты развеваются по ветру, выражение его лица благостно, так как он находится в состоянии нирваны (высшего состояния или абсолютного покоя).

В скульптуре Шива запечатлен в классической позе. Она раскрывает обе силы приписываемые божеству – созидательную и разрушительную, то есть вечность и незыблемость космического процесса. Его верхняя правая и левая руки держат барабаны. Они вибрируют, возвещая соответственно созидание и разрушение. Его нижняя правая рука поднята в жесте, обозначающем свободу от страха, в то время как нижней левой рукой он указывает на свою левую ногу жестом освобождения. Очевидно, символичен и жест правой ноги Шивы, которой он наносит смертельный удар карлику Апасмаре – демону материализма, зла и невежества.

Развевающиеся по обе стороны головы Шивы пряди волос указывают на излучение божественной энергии, рис.32.

Рис.32. Бронзовая фигура Шивы 

В глазах индийцев золото, серебро и драгоценные камни имели не только материальную ценность, но и символическое значение. Так, хиранья – золото – являлось по преданию сгустком солнечного света и оттого почиталось самым чистым и благородным из металлов. Серебро ценилось ниже золота, оно ассоциировалось с Луной. Иногда его сплавляли с золотом, и в этом случае два металла символизировали две священные для индийцев реки – Ганг и Амуну.

Драгоценные и полудрагоценные камни индийцы связывали с планетами, приписывая камням способности воздействовать на физическое и душевное состояние человека. Самый типичный пример – украшение наваратна, состоящее из 9 камней: жемчужина, рубин, топаз, бриллиант, изумруд, лазурит, коралл, сапфир и камень, известный под названием гомела или «коровий жир». Такое сочетание камней, согласно древнеиндийским текстам, приносило удачу.

Самые знаменитые индийские украшения всех эпох относятся к эпохе мусульманской династии Великих Моголов, правившей Индией в 16-18 вв. и оказавшей колоссальное влияние на индийскую историю и культуру. К ним относились: украшения тюрбанов, налобные подвески, ободы для волос, серьги и кольца для носа (их стали носить в 13 в. под влиянием мусульман) и, конечно, ожерелья, броши, браслеты (и для запястий, и для щиколоток), пряжки, перстни, амулеты, не говоря уже об усыпанном драгоценными камнями оружии и богато украшенных предметах повседневного обихода.

Основные этапы создания каждого такого изделия включали создание эскиза, огранку камней и изготовление оправы, нанесение насечки и наложения эмалевого декора. Одним из технических приемов был кундан: камни монтировались в оправу с лаковой эмалью, причем на дно каста, куда вставлялся камень, помещалась золотая пластина, а сам камень прочно закреплялся золотыми крапанами.

На рис.33 показано великолепное золотое ожерелье с гранатовыми подвесками, декорированное зеленой, красной и белой эмалью. Украшение завершается подвеской с крупным гранатом.

Рис.33. Гранатовое ожерелье с эмалью, 18 в.

В изысканных украшениях для тюрбанов воплотился прирожденный вкус могольских мастеров к изяществу; особенно удавались им сочетания различных форм и цветов. Украшать тюрбаны брошами, заколками из драгоценных камней имели право лишь императоры или их ближайшие родственники. Особые украшения предназначались для коней правителя. Нередко украшения оформлялись с двух сторон, рис.34.

Рис.34. Украшение тюрбана, показанное с двух сторон, 18 в.

Роскошные браслеты для щиколоток пышно декорированные растительным эмалевым орнаментом и снаружи и изнутри. Снаружи эмалевый фон оттеняет драгоценные камни – рубины и бирюзу, чередующие с бриллиантами, рис.35а; на рис.35б показан великолепный браслет, инкрустированный крупными бриллиантами; декор внутренней поверхности – красно-зеленые цветы на золотом фоне.

Рис.35. Браслеты для щиколоток (а) и браслет для руки (б)

Стилет с искривленным лезвием – один из типичных символов сикхской общины. Изготовлен из золота с бриллиантами, рубинами, изумрудами и жемчугом; ручка украшена крупным прямоугольным изумрудом, рис.36.

Рис.36. Сикхский стилет

Могольский стиль, во всем его многообразии, испытал сильное влияние местных индийских традиций. Постепенно и Запад начал проявлять интерес к индийскому ювелирному искусству, особенно после того, как на всемирной выставке 1851 г. в Лондоне был представлен ряд шедевров, в т.ч. и знаменитый алмаз Кохинор. И теперь Индия остается страной драгоценных камней и изысканных ювелирных украшений.

Ювелирное искусство средневекового Таиланда. В Юго-Восточной Азии между 9 и 12 столетиями кхмерское царство распространяло власть на большую территорию Таиланда между реками Меконг и долиной Чаопроя. В 13 в. тайцы, двигавшиеся на юг от границ Китая, подчинили себе обширные территории на полуострове Индокитай и основали по всей долине свои города-государства. В 1350 г. был основан город Лютия, который стал государством, ставшим ведущей державой в регионе.

Лютия считалась священным городом – как обитель земного правителя, благословленного высшими силами. Здесь было множество храмов и монастырей, великолепно украшенных глазурованной керамикой, статуэтками из бронзы, дерева или стукко (искусственный мрамор из полированного гипса с добавками), покрытых золотом или позолотой. Тайские златокузнецы и ремесленники производили такие изделия, которые в 14-15 вв. расходились по разным странам и соперничали с японской продукцией.

На рис.37 показан великолепный с двумя выступами браслет кхмерской эпохи; надевался на предплечье и представлял собой типичное иконографическое изделие.

Рис.37. Браслет для предплечья

Шедевром ювелирного искусства Лютии является изделие в виде слона. Голову и уши животного покрывает убор, украшенный драгоценными камнями; на передних ногах надеты браслеты. На спине слона – искусно отделанный филигранью трон, некогда убранный драгоценными камнями, от которых ныне остались только многочисленные оправы, рис.38.

Рис.38. Ювелирное изделие в форме слона

Приблизительно в конце 18 в. Лютия подверглась нападению со стороны могущественных бирманцев. Когда бирманцы осадили Лютию, драгоценности спрятали, а золотые статуи покрыли особым составом (гипсом), чтобы обмануть врагов.

Во время работ одной строительной компании по расширению порта в Бангкоке в начале прошлого столетия в земле нашли массивную статую Будды, покрытую гипсом. В ночь на кануне перевозки скульптуры тропический ливень размочил и размягчил ее внешнюю оболочку. На следующий день во время транспортировки статую Будды уронили в грязь, в результате чего гипс треснул. Благодаря этой счастливой случайности была раскрыта тайна удивительного произведения искусства. Под слоем гипса была скрыта золотая статуя Будды высотой 3м и массой 5,5 тонн, рис.39.

Рис.39. Золотой Будда из Бангкока

Теперь эта золотая статуя Будды хранится в храме Ват Траимит в Бангкоке.

В 1957 г. археологи нашли в главном пранге (храме) 2121 золотой предмет. Среди них королевские регалии, знаки отличия принцев, головные уборы, ювелирные украшения, образцы Будды, золотые пластины с надписями и др. изделия, рис.40.

Рис.40. Золотая пластина, изображающая Будду, сидящего на троне в виде цветка лотоса в позе бхумиспарсамудра

2.5. Ювелирное искусство Древней Америки

Многочисленные первоклассные образцы ювелирного искусства были найдены при археологическом изучении культур Древней Америки (литье, чеканные золотые украшения с мозаичными орнаментами из бирюзы, кварца, агата и др.)

Изваяния Ольмеков. Ольмеки были основателями одной из древнейших цивилизаций (12-6 вв. до н.э.), располагавшейся на территории, включающей центральную и южные части Мексики, Гватемалу и Гондурас. Этот район ученые называют Месоамерикой. Ольмеки были первым народам в Месоамерике, который начал создавать скульптурные головы из огромных каменных глыб, вес которых достигал 20 тонн. Вместе с крупными скульптурами ольмеки вырезали из змеевика и нефрита маленькие фигурки, некоторые из них известны как «дети ягуара», сочетающие черты маленьких детей с пухлыми лицами и грациозно-хищных ягуаров. По поверьям ольмеков, начало рас этих чудовищ дала женщина, сожительствовавшая с ягуаром.

Образ бога-ягуара, которому поклонялись представители древних американских цивилизаций, особенно часто встречается в искусстве ольмеков.

На одном каменном памятнике, найденном в Портеро-Нуэво, недвусмысленно передано соитие женщины с ягуаром. От брака божественного ягуара и смертной женщины и произошло могучее племя героев-сыновей небес и земли, полубожественных строителей Ла-Венты. Так возник удивительный народ, не похожий на других: то были «ягуары индейцы» – люди и ягуары одновременно. Впоследствии их стали называть «людьми с ягуарной пастью», а еще позже ольмеками (от ацтекского слова «оллы»– каучук), то есть «людьми из страны, где добывают каучук».

Небольшие фигурки ольмеки вырезали, как отмечалось выше, из змеевика и нефрита, чаще всего изображая мужчин с толстыми шеями. Нижняя часть их лиц широкая, глаза имеют миндалевидную форму или сделаны в виде узких щелочек. Характерные черты этих статуэток – большой трапециевидный рот с опущенными уголками губ и толстая выпяченная верхняя губа, рис.41.

а  б 

Рис.41. Нефритовые статуэтки ольмеков: а – «дети ягуара»; б – типичные 

 образцы ольмекской резьбы по камню

 Находки аналогичных фигурок в Сальвадоре позволяют предположить, что влияние ольмеков распространялось на столь отдаленные территории.

Искусство индейцев майя. Индейцы майя создали в Центральной Америке высокоразвитую цивилизацию, просуществовавшую с 300 г. до н.э. по 1500 г. н.э. Каждый город майя имел собственного правителя и ритуальное святилище.

В гробнице Покровителя Солнца Пакаля, открытой в Паленке – одном из центров цивилизации майя – находилось много изделий из нефрита: самое замечательное из них – покрывавшая череп правителя посмертная мозаичная маска с глазами из перламутра и обсидиана, рис.42.

Рис.42. Посмертная нефритовая маска «покровителя солнца» Пакаля, 7 в.

 Грудь покойного украшали нефритовые ожерелья, пальцы-кольца из нефрита, крупные куски нефрита были положены в ладони и рот усопшего.

Саркофаг Покровителя Солнца Пакаля покрывала массивная каменная плита, украшенная рельефными изображениями. Мастера майя в совершенстве владели искусством резьбы по камню. Изображенная на рис.43 пластина, найденная неподалеку от городка Невах в Гватемале, датируется примерно 750 г. На ней изображен богато одетый представитель знати со слугой-карликом.

Рис.43. Нефритовая пластина с изображением знатного майя и его слуги в

 суде

Сокровища Чиген – Ицы. На полуострове Юкотан в Мексике в крупном центре майя Чиген – Ицы в ритуальном колодце Жертвоприношений был обнаружен целый клад ювелирных изделий. Этот клад содержал множество золотых украшений, большая часть которых завезена в Чиген – Ицу из Панамы и Коста-Рики, а также многочисленные изделия из нефрита. Эти богатые подношения делались для того, чтобы заручиться милостью богов.

Украшения ацтеков. Ацтеки, или теночки, как они сами себя называли, пришли на территорию современной Мексики в 12 в. и создали там могущественную империю. Столицей империи ацтеков был город Реночтилен, основанный в 1350 г. На его месте впоследствии возник Мехико.

Ацтекские златокузнецы отличались высоким мастерством. Как мужчины, так и женщины обожали серьги, ожерелья и браслеты; кроме того мужчины прокалывали себе обе ноздри и подбородок, чтобы носить изделия из хрусталя, раковин, янтаря, бирюзы и золота.

Ацтекские вожди носили головные уборы из птичьих перьев, отделанных жемчугом и драгоценными камнями, рис.44.

Рис.44. Ацтекский головной убор

 Такой головной убор, подаренный вождем Моктесумой II предводителю испанских конкистадоров Эрнану Кортесу хранится в этнографическом музее в Вене.

По ацтекским поверьям, Тескатлипоки был свирепым богом войны и колдовства, рис.45.

Рис.45.  Маска ацтекского божества Тескатлипоки

 Ацтеки были не только искусными мастерами, но и жестокими воинами с дикими религиозными обрядами, во время которых приносили жертвы богам.

Дошедшие до нашего времени мексиканские ювелирные изделия более ранней эпохи принадлежали  миштекам, предшественникам ацтеков.

Недалеко от современного города Оахака был расположен основной церемониальный центр миштеков Монте-Албан, где были найдены подземные миштекские гробницы, в которых вместе с останками людей покоились многочисленные резные украшения из костей животных, предметы, покрытые гравировкой, а также тысячи жемчужин, металлических украшений и мозаик из бирюзы.

Золото инков. Империя инков, раскинувшаяся некогда на необъятных просторах современных Перу, Эквадора, Боливии и северной части Чили, возвысилась в 14 в. и вскоре стала одной из величайших мировых цивилизаций.

Инки добывали много золота и серебра и использовали драгоценные металлы для изготовления украшений. Золото у них не было символом богатства. Инки знали, что такое «могущественный», но понятия «богатый» у них не существовало. Золото для них было священным металлом бога Солнца. Инки называли золото «потом солнца», а серебро – «слезами луны». Инки поклонялись Солнцу, почитали его родоначальником своих царей. Их верховные правители считались потомками бога Солнца, им поклонялись как божествам. В соответствии с космогоническими представлениями инков, с небес некогда упали три яйца, из которых одно было золотым, второе серебряным, а третье медным. Из этих яиц произошли знать, правители и простые люди. По легенде Манко, сын Солнца, сошел на Землю для того, чтобы образовать человеческий род, научить людей истинной религии, где праведные после смерти будут наслаждаться спокойствием души и тела, а грешники будут вечно претерпевать бедствия и болезни. Манко повелел людям поклоняться и служить отцу своему, он был у древних народов первым Великим Инкой. Золото предназначалось только для того, чтобы умилостивить бога Солнца, из него делали украшения, скульптурные фигурки, троны Великих Инка, но все это было связано  с религиозным культом, рис.46.

Рис.46. Погребальные маски племени гину, 13 в.

Ритуальное облачение вождя племени муиска происходило на озере Гуатавита в Колумбии. Церемония символически изображена на этой единственной в своем роде золотой миниатюре, рис.47.

Рис.47. Колумбийский золотой плот

На плоту находятся двенадцать мужчин, среди которых своими размерами выделяется фигура вождя.

Животные - ламы, альпони и викуньи были собственностью верховного Инки из-за своей исключительно ценной мягкой шерсти. Мастера инки делали из золота и серебра скульптуры животных и изображения растений и украшали ими сады и дворы инкских храмов, что по поверьям инков увеличивало поголовье этих ценных животных, рис.48.

Рис.48. Золотая лама, изготовленная в технике ковки и спайки

Инки искусно изготовляли не только фигурки животных, но и фигурки людей. На рис.49 показана женская фигурка – типичный образец вотивной (жертвуемой по обету) статуэтки. Она была найдена в одном из тех немногих перуанских святилищ, которые не подверглись ограблению алчными испанскими конкистаторами.

Рис.49. Инкская вотивная статуэтка женщины

В 1532 г. испанский конкистадор Писсаро разгромил армию инков и захватил их столицу Куско. В дворцах и храмах города они нашли несметные богатства; по свидетельству очевидцев, стены некоторых из них были «украшены золотыми пластинами», в специальных нишах стояли золотые и серебряные фигуры животных и людей. Двери всех зданий в Куско обрамлялись золотыми рамами, а еще их вдобавок украшали яшмой или цветным мрамором.

В храме Солнца все четыре стены от пола до потолка покрывали золотые пластины. Здание этого храма было опоясано карнизом из чистого золота, впаянного в камни. Не только статуя Солнца, но и статуи других богов (бога-творца Виракоги, бога грома и молнии и др.), а также знаменитый большой диск, олицетворяющий собой Инки, – были сделаны из золота. Здесь же находились многочисленные музыкальные инструменты, например, барабаны, украшенные драгоценными камнями.

К зданию храма Солнца примыкало одно чудо из чудес, когда-либо созданных рукой человека – так называемый «золотой сад Куско». Вот как описывал этот золотой сад один из испанцев: «В саду этом были высажены самые красивые деревья и самые замечательные цветы и благоухающие травы, которые только произрастали в этом королевстве. Многие из них были отлиты из золота и серебра, причем каждое растение изображено не однажды, а от маленького едва видного над землей побега до целого куста в полный его рост и совершенную зрелость. Там видели мы поля, усеянные кукурузой. Стебли ее были из серебра, а початки из золота, и было это все изображено так правдиво, что можно было разглядеть листья, зерна и даже волоски на них. В добавление к этим чудесам в саду инки находились всякого рода животные и звери, отлитые из золота и серебра, такие как кролики, мыши, змеи, ящерицы, бабочки, лисы и дикие кошки.

Нашли мы там и птиц, и сидели они на деревьях так, словно вот-вот собирались запеть, другие же будто покачивались на цветах и пили цветочный нектар. И были еще там золотые косули и олени, пумы и ягуары, все животные в малом, и в зрелом возрасте, и каждое из них занимало соответствующее место, как это и подобало его природе».

Золотые и серебряные изделия инков переплавлялись на месте или отправлялись на переплавку в Испанию. До нас дошло золото инков, захороненное вместе с покойниками.

В найденных в 20 в. кладах обнаружены металлические ювелирные украшения, сохранившиеся от ассимилированных инками более ранних культур. Мочика, населявшие прибрежную зону Перу в 100-800 гг. н.э. были в числе первых специалистов по обработке металлов в Андах. Из многих предметов, извлеченных из захоронений мочика, особого внимания заслуживают церемониальные часы, сделанные более чем из 1600 украшенных золотых дисков, а также перчатки из листового золота, покрывавшие руки знатных покойников. Другие ранние перуанские племена – наска, жившие в 7-9 вв., тоже создали сложные золотые изделия.

Удивительные находки были сделаны в 30 гг. прошлого столетия в северных районах Перу, заселенных племенами чиму в период с 1000 по 1470 г. когда их покорили инки. Там обнаружили десятки тысяч предметов, составивших величайшую коллекцию золотых изделий. Мастера чиму владели техникой пайки золота разных оттенков. Орнамент каждого предмета уникален, поскольку чиму верили, что повторение узора может задеть чувства богов.

В заключение отметим следующее. Когда после завоевания Перу инка Манко II встретился с испанским послом, он высыпал перед ним на стол бокал кукурузных зернышек. Потом взял одно из них в руки и сказал: « Это все, что вы смогли украсть из золота инков». А потом показал на все оставшееся и сказал: «А это то золото, которое осталось у нас».

«Куда исчезло золото инков?»- над этим вопросом ломают голову и поныне ученые. Некоторые из них считают, что инки переправили основную часть своих сокровищ через панамский перешеек и спрятали их на одном из островов атлантического побережья Северной Америки.

Доколумбовые ювелирные украшения. В 16 в. в Южной и Центральной Америке испанцы собрали и отослали на родину несметное множество золотых предметов, общий вес которых составил примерно 30 тонн. Эти почти все изделия были переплавлены и золото было использовано для других целей. Однако около 5000 доколумбовых ювелирных украшений, созданных в разных районах континента в период от 300 г. до н.э. до 16 в. н.э. находятся в музее золота в Боготе.

Рассмотрим некоторые клады, сохранившиеся с доколумбовых времен.

Сокровище кимбая. Этот клад был найден в долине реки Каука в Колумбии в 1891 г. и датируется археологами примерно 400-1000 гг. н.э. В нем оказалось 121 ювелирное украшение и другие предметы. Все эти сокровища были подарены испанской королеве и теперь находятся в музее Америки в Мадриде. В этом кладе была попора в виде сидящей фигуры, сделанная из сплава золота с медью (иногда этот сплав называют томпак, что не совсем верно, так как томпак – это сплав меди с 10-20% цинка). На рис.50 показана носовая вставка, сделанная из медного золота методом штамповки с зооморфным мотивом.

Рис.50. Носовая золотая вставка доколумбовой эпохи

Андские индейцы южной Америки нередко носили с собой небольшие декоративные фляжки, называющиеся «попоры», надевая их на шею в качестве украшений и удобных сосудов для хранения сока дерева лайма.

Изображенная на рис.51 ритуальная попора в виде сидящей женской фигуры также принадлежит к богатому кимбайскому кладу, изготовленная методом литья по восковой модели. Все изделия кимбайского клада отличаются превосходной четкостью форм, в особенности обнаженные мужские и женские фигуры, изображенные как правило, в сидячем положении.

Рис.51. Колумбийская «попора» в форме сидящей женщины из клада кимбая

Клад побережья Венадо. Данный клад был найден в конце 40 гг. прошлого столетия на кладбище неподалеку от Панамского канала; в нем были золотые нагрудные пластины, браслеты, носовые вставки, подвески и трехмерные портретные фигуры. Ювелирные украшения индейцев кокле, создавшиеся на территории современной Панамы, часто были украшены изумрудами и другими драгоценными камнями; по стилю они напоминают замечательные изделия из сокровищ кимбайев.

Сокровища из гробниц Сигсиг. Уникальный клад доколумбовых ювелирных украшений был найден в гробницах Сигсиг в 1889г. в южном Эквадоре. Среди предметов этого захоронения находилась великолепная корона из перьев, искусно сделанная из плоских золотых полос, браслеты, украшения для одежды, печати. На рис.52 показана золотая подвеска из этого клада, символизирующая фигуру божества.

Рис.52. Золотая подвеска из гробницы Сигсиг

2.6. Византийское ювелирное искусство

Византия (Восточная Римская империя, Византийская империя) - государство 5-15 вв., образованное при распаде Римской империи, в ее восточной части (Балканский полуостров, Малая Азия, юго-восточное Средиземноморье). Взятие в 1453г. Константинополя турками положило конец Византии.

В придворных мастерских Константинополя были сосредоточены всевозможные производства: художественная обработка металла, кости, камня и особенно производство драгоценных шелковых и шерстяных тканей.

Предметы, изготовленные в придворных мастерских (секрет выполнения их порой строго охранялся), использовались, главным образом, для украшения храмов и дворцов высшей знати и императора, для придания блеска и великолепия придворному церемониалу, славившему на весь средневековый мир необычайной роскошью и пышностью своего оформления.

Развиваясь в течении более чем тысячи лет с 4 по 15 вв., византийское искусство прошло сложный и своеобразный путь. С 6 по 9 вв. декоративно-прикладное искусство, сохраняя многие античные черты, такие как использование мифологических мотивов и стремление передать явления окружающей жизни, неизменно обнаруживаются все признаки отхода от античного искусства. Изображение стало плоскостным, исчезла пластическая лепка формы. Сцены из античных мифов, трактованные в резкой суховатой манере, часто воспроизводились на металлических сосудах. В ювелирных изделиях, украшенных драгоценными камнями, отразились художественные приемы народов придунайской области. Применявшиеся для создания произведений искусства материалы оставались такими же, как в эпоху Римской империи, однако золото, драгоценные и полудрагоценные камни, а также стекло сочетались теперь по-иному, а техника обработки открытых поверхностей, известная как opus interrasile, получила дальнейшее развитие и была усовершенствована. На рис.53 показана пара серег 6 в., украшенная яркими самоцветами: сердоликом, лазуритом и гранатами, а также золотым филигранным узором.

Рис.53. Византийские серьги, 6 в.

В 9-11 вв. в Византии откристаллизовывались каноны средневековой культуры. Исключительного развития достигло ювелирное искусство, ярким образом которого был знаменитый пышный трон Василия I. В сложной и бытовой технике драгоценной перегородчатой эмали византийские мастера проявили виртуозную тонкость. На золотую пластину напаивали поставленные на ребро тонкие золотые полоски, которыми обозначались контуры изображения, а промежутки между ними заполнялись эмалью. Переливающаяся чистыми цветами эмалевых красок фигура какого-либо святого казалась покрытой тонкими узорами золотых нитей. Одним из наиболее знаменитых памятников византийской эмали является так называемая Паля д’Оро (Pala d’Oro), привезенная из Византии в Венецию и хранящаяся ныне в соборе св. Марка, рис.54. Это золотая с серебром пластина (2´3 м), украшенная драгоценными камнями и эмалевыми медальонами с изображениями святых, императоров, религиозных сцен.

Рис.54. Золотой алтарь - Pala d’Oro, 4-10 вв.

В 11-13 вв. в искусстве утвердился возвышенный идеальный стиль. Художественные нормы, выработанные в античном искусстве, стали господствовать во всей Византии (от малой Азии до Италии). На иконе, рис.55, выполненной с использованием перегородчатой эмали с использованием драгоценных камней изображен св. Михаил в ритуальной позе, в полный рост; орнаментальный фон средника являет символическое изображение райского сада. На боковых полях изображены святые воины. Этот шедевр, как и многие другие, попал в Венецию после четвертого крестового похода, когда в 1204 г. был разрушен Константинополь.

Рис.55. Икона св. Михаила

Ювелирной тонкостью отличаются и лучшие произведения декоративной пластики, в частности изделия из кости. Эти качества сказались в отделке ларца 12 в., хранящегося в национальном музее Флоренции: фигуры святых, украшающих его, трактованы плоскостно, но их контуры очерчены с удивительным изяществом.

Среди множества разнообразных сосудов, входящих в собрание сокровищницы собора Сан-Марко в Венеции, выделяется чаша эпохи императорского Рима, принадлежавшая византийскому императору Роману II, рис. 56. Сама чаша вырезана вместе с ручками из цельного куска сардоникса. Оправа состоит из золотых пластин с изображением Христа, Богоматери, архангелов и святых с декором из перегородчатой эмали; декор массивной ножки выполнен гравировкой, а основание украшают драгоценные камни в оправе и пластины с эмалевыми изображениями святых; по платформе, на которой покоится сардониксовая чаша, идет греческая надпись: «Господи, спаси правоверного императора Романа». Оправа чаши датируется 959-963 гг., а сама сардониксовая чаша относится к 1 в. н.э.

Рис.56. Сардониксовая чаша императора Романа II

Алебастровый дискос в оправе из серебра и драгоценных камней принадлежал к церковной утвари храма Св. Софии в Константинополе, рис.57.

Рис.57. Алебастровый дискос в оправе из серебра и драгоценных камней

Он выполнен в стиле так называемого македонского Реннесанса. В центре – эмалевое погрудное изображение Христа с греческими словами по кругу: «Примите, ядите, сие есть Тело Мое», которые произносит священник во время литургии, перед причастием.

Творчество византийских мастеров художественного ремесла продолжало в 11 и 12 вв. сохранять мировую известность. Многие византийские золотые и серебряные изделия 11-15 веков выполнены в технике чеканки, басмы или скани. Орнаментация их преимущественно растительного или растительно –плетеночного характера.

Культура Византии, впитавшая наследие античности и Древнего Востока и выработавшая свой собственный стиль, в течении долгого времени стояла на более высокой ступени развития, чем в странах Западной Европы. Существенную роль в ее формировании и развитии сыграли славяне, населявшие значительные территории Балканского полуострова и обладавшие самобытной художественной культурой.

Ватиканский крест. С развитием христианства все более важное значение в жизни людей занимали кресты и распятия. Первоначально кресты делали небольшими и только из золота. Затем их стали украшать драгоценными камнями, а для религиозных церемоний – создавать большего размера, чем обычные нательные, чтобы придать христианским обрядам величие и пышность. Драгоценные камни – плоско ограненные или в форме кабошонов – вставляли в оправы, выступающие над поверхностью самого креста, и зажимали металлическими лапками (крапанами).

В сокровищнице Святого Петра в Ватикане хранится позолоченный серебряный крест 6 в., украшенный драгоценными камнями. Этот древнейший крест подарил Ватикану император Византии Юстиниан II. Гиацинты, аквамарины, изумруды, яшма, агаты, вставленные в него, сначала были обрамлены 16 крупными восточными жемчужинами, но позднее они пропали, рис.58.

Рис.58. Ватиканский крест 6 века (Византия)

Все драгоценные камни, украшавшие кресты, имели не только декоративное, но и символическое значение. Например, лазурит означал правдивость и упование на небеса, зеленая яшма символизировала постоянное обновление веры, красный гранат служил напоминанием о крови, пролитой христианскими мучениками. Круг символизировал вечность и совершенство, квадрат – мирскую суету и тщеславие, а треугольник – божественное триединство.

Византийские образки с перегородчатой эмалью. Высочайшим достижением прикладного искусства являются прославленные византийские эмали, представленные в наше время небольшими золотыми образками с изображением «Распятия», «Сошествия во ад». Один из них овальной формы, входил в состав Старо-Рязанского клада 1882 года. Эмаль на этих вещах превосходного качества. Византийские эмали, отличавшиеся исключительной тонкостью исполнения, оказали влияние на эмальерное искусство других стран, в частности, они нашли широкое распространение в искусстве Киевской Руси. Эмали применялись в Византии для украшения одежд императора и высшего духовенства, для корон, кубков, блюд, парадных крестов реликвариев.

Образок «Распятие с предстоящим», – прекрасный образец прославленных византийских перегородчатых эмалей 11 в., периода ее расцвета, рис.59а. Он отличается исключительной тонкостью исполнения, простотой и ясностью композиции.

На лицевой стороне образа изображено «Распятие с предстоящим» – сюжет, чаще всего встречаемый в образках, иконах и других памятниках византийского прикладного искусства. Фигуры святых, несмотря на их крошечные размеры, монументальны и выразительны. Внизу, под крестом – голова Адама на скрещенных костях, вверху, в ушах – полуфигуры летящих ангелов, и еще выше – буквы, обозначающие «солнце и луна». Золотая пластинка с перегородчатой эмалью вправлена в овальное обрамление с густым сканным орнаментом, украшенным зерном и двенадцатью гнездами для камней, в трех из которых сохранились жемчужины. Оправа изготовлена в Киевской Руси в 12-13 веках.

Образок - мощевик «Сошествие во ад» изготовлен в 12 в. в Византии, рис.59б. На золотой пластине лицевой стороны прямоугольного, почти квадратного образка перегородчатой эмали выполнена многофигурная композиция «Сошествие Христа во ад». Попирая повергнутые врата ада, правой рукой Христос выводит Адама, а в левой держит шестиконечный крест. Справа от Христа, позади Адама, стоит Ева и Авель, слева – Иоан Креститель, император Константин и императрица Елена. По краю образка идет орнаментальная рамка, выполненная перегородчатой эмалью. В расцветке эмали преобладают голубые, синие, зеленые и красные тона. Лики исполнены розовой эмалью.

На обратной стороне серебряной оправы чернявая греческая надпись с перечислениями реликвий, вложенных внутрь образка, и позднейшая русская надпись с указанием веса.

Рис.59. Византийские образки с перегородчатой эмалью: а - Распятие с

 предстоящим, б- Сошествие Христа во ад

Византийские камеи. В период наивысшего расцвета византийского искусства в 11-12 веках окончательно утвердился торжественный и возвышенный стиль, отвечавший идеологии феодального общества. В данный период были изготовлены высококачественные камеи. Особенно интересна среди них резная икона на стеатите с изображением Дмитрия Солунского на коне, свидетельствующая об исключительном умении византийских мастеров даже в мелком произведении создать впечатление величия и торжественности, рис.60.

Рис.60. Икона «Дмитрий Солунский»

Дмитрий Солунский, как в Византии, так и в последствии на Руси, считался покровителем воинов. По преданию, икона была прислана византийским императором московскому великому князю Дмитрию Донскому в память и «благословение» победы на Куликовом поле.

Две камеи 10 в. «Христос благословляющий», одна из которых вырезана из кровавой яшмы, а вторая из ляпис-лазури, вставленные в золотые российские оправы 15 в. показаны на рис.61.

Рис.61  Иконы «Христос благословляющий»:

 а - Камея, кровавая яшма, золото, драгоценные камни. Резьба, чеканка.

По сторонам головы Христа глубоко вырезанная надпись. Глаза Христа в свое время были выложены точками серебра, ныне утраченными. Прямоугольная с закругленным верхом камея заключена в золотую гладкую оправу, украшенную изумрудами, альмандинами и агатом

 б. Камея, ляпис-лазурь, золото. Резьба, чеканка.

Христос вырезан высоким рельефом, изображен в рост стоящим на прямоугольном подножии, правой рукой он благословляет, в левой держит евангелие. На перекрестье нимба и на переплете книги инкрустация золотом в виде точек. По всему камню имеются мелкие естественные вкрапления серебра. Золотая оправа позднейшая.

2.7.  Ювелирное искусство стран Ближнего Востока

В ювелирном искусстве мусульманских стран Ближнего Востока большое значение получили отвлеченный геометрический или растительный орнамент и каллиграфия; в раннее средневековье золото и серебро обычно заменялось бронзой и латунью, а в13 в. в придворном ювелирном искусстве все чаще стали применять драгоценные металлы (обработанные в технике филиграни, гравировки, инкрустации, черни и т. д.) и камни; в народном ювелирном искусстве широкое распространение получило сочетание серебра с бирюзой и сердоликом. Инкрустация латуни являлась специфической чертой ювелирного искусства Ближнего Востока. Первыми латунь использовали римляне для чеканки монет и изготовления памятных пластин. Техника выколотки и чеканки часто используется при изготовлении и украшении латунных изделий.

Основателем зародившегося в 7 в. на Ближнем Востоке ислама был пророк Мухаммед. Он родился в Мекке около 570 г., стал купцом, а потом примерно в 610 г., ушел в горы, чтобы размышлять в уединении. Его миссия состояла в том, чтобы нести людям новую веру в единственного подлинного бога-Аллаха. Мухаммед пришел со своей проповедью к людям, но в 662 г. был изгнан из Мекки. Дата его бегства в Медину принята за начало летоисчисления.

В 630 г. Мухаммед вернулся обратно в Мекку, и город стал центром нового вероучения. Священная книга ислама Коран содержит учение Мухамеда и основные принципы поведения, охватывающие все стороны поведения. Мусульмане верят, что Коран содержит слова самого Аллаха, вложенные им в уста Мухамеда. В Коране, а также в Хадисах (предания о поступках и изречениях Мухамеда; совокупность Хадис, признанных достоверными, составляют сунну) собраны изречения Мухаммеда, на которых основывается вся культура ислама.

Для ритуальных церемоний мусульмане создали многочисленные предметы, которые по праву считаются произведениями искусства.

Для хранения Корана делался курсий, представляющий собой столик – ларец, рис.62.

Рис.62. Исламский курсий, 14 в.

Курсий изготавливался из латуни, инкрустировался серебром и покрывался гравировкой.

Для ритуального омовения делались сосуды с прямыми стенками из кованой латуни и инкрустировались золотом, серебром и медью.

При изготовлении подобных предметов арабские златокузнецы в эпоху мамлюков проявляли  высокое художественное мастерство и производили высочайшие произведения искусства. Мамлюкские ювелиры унаследовали традиции инкрустации латуни и создали свой собственный стиль. Многочисленные сделанные ими предметы не только инкрустированы серебром и золотом, но также украшены гравированными подписями. В некоторых надписях упоминаются имена султанов, для которых они изготовлены.

Письмена арабской вязи стали декоративной частью исламского искусства, часто используемый для создания сложных повторяющихся орнаментов на металлических изделиях.

К числу других впечатляющих памятников арабского искусства эпохи правления Мамлюков можно отнести деревянные, с бронзовыми накладками ящики для Корана, стальные шлемы, украшенные золотой насечкой, чернью, эмалью и драгоценными камнями, рис.63, и латунные светильники.

Рис.63. Церемониальный шлем, 16 в.

Среди мусульманских стран Ближнего Востока выделяется ювелирное искусство Турции. В конце 13 в. турки утвердили свое владычество на большей части Средиземноморья и основали империю, непосредственно управляющую политической жизнью большей части исламского мира.

Для исламского мира пластические и изобразительные искусства чуть прикладные – даже если предмет создавался для того, чтобы служить украшением и радовать взор, его функция должна быть вполне определенной и узнаваемой, рис.65.

Рис.65. Кувшин в форме восьмигранника, 16 или 17 в.

Бесконечное повторение одинаковых орнаментальных мотивов – особенность произведений мусульманского искусства, свойственная и архитектуре, и ювелирному делу; таким образом, техническое совершенство становится средством достижения абсолютной красоты: зрителя обычно не отвлекают ни блеск драгоценных камней, ни филигранные узоры, как в других ювелирных традициях. Солнечный свет усиливает абстрактную красоту рукотворных изделий, а начертанная на них строка их Корана напоминает об Аллахе и о человеке, который любит Его и душой, и сердцем, рис.66.

Рис.66. Украшение с изумрудами, жемчужинами и красной эмалью, 18 в.

В Турции суннитская религия запрещала изображать живые существа. Это породило необыкновенное многообразие орнаментальных мотивов. Яркие краски, крупный узор, богатство материалов  и несколько тяжеловесная пышность предметов характеризует произведения турецкого искусства 17 века.

В Оружейной Палате Московского Кремля, как ни в одном музее мира, хранится цельная высокохудожественная коллекция турецких конских уборов. Турецкие седла в определенной мере отражают черты национального стиля. Они обтянуты яркими по цвету тканями с крупным орнаментом, на луках и крыльцах седел золотые или серебряные запоны с изумрудами и рубинами, крупные жемчужины. Многие седла украшены чеканными пластинами с бирюзой, яшмовыми врезками и жемчужными цветами. Попоны интересны не только как составные части конского убора, но и как образцы редких тканей. Среди орнаментальных мотивов тканей доминирующее место занимал цветочный узор.

Многочисленные памятники турецкого парадного и оборонительного оружия (сабли, кинжалы, булавы, саадаки) отличаются добротностью материала, высоким качеством исполнения и богатством украшений. Многие предметы имеют мировую известность. Особенно знаменит преподнесенный в 1656 году царю Алексею Михайловичу саадак, покрытый сплошной чеканной золотой платиной, усыпанной изумрудами, рубинами и алмазами, рис.67.

Рис.67. Саадак царя Алексея Михайловича. Турция

Роскошно украшались рукояти и ножны турецких ножей и кинжалов, рис.68.

Рис.68. Золотой кинжал для персидского шаха Надира, 18 в.

2.8. Искусство Западной и Центральной Европы в эпоху переселения народов (раннее средневековье, 4-10 вв.)

С конца 4 в. началось широкое движение племен, известное под именем «великого переселения народов». Вандалы, готы, гунны и другие народности (римляне называли их «варварами»), проходя огромные расстояния, вторгались в пределы римского государства. В 476 г. Западная Римская империя распалась, германские племена образовали на ее территории ряд самостоятельных большей частью недолговечных государств.

Искусство Западной Европы в 5–8 вв. приобрело своеобразный характер – местные традиции и культуры, сохранившиеся со времени господства Римской империи вступали во взаимодействие с художественными навыками кочевых народов Восточной Европы, а также Сирии, Египта, Ирана.

Преобладание орнамента и любовь к ярким цветовым сочетаниям являются характерной чертой искусства эпохи переселения народов. Выработанные искусством декоративно – орнаментальные принципы композиции явились новыми средствами художественного выражения, характерными для возникающего в эту эпоху средневекового искусства.

Орнаментально – декоративные формы искусства этого времени отличались чрезвычайным богатством. Особенно высоко стояла техника художественной обработки металлов, в частности  ювелирное дело. Памятники этого искусства распространены на огромном пространстве, от берегов Черного моря до Британских островов; и во множестве найдены в погребениях и кладах. Чаще всего встречаются фибулы (застежки, пряжки), украшение, оружие, декоративная утварь, а со времени принятия христианства – также предметы культа: чаши, кресты, оклады церковных книг. Типичные черты раннесредневекового ювелирного искусства – применение холодной эмали, крупных кабошонов, контрастно сопоставляемых с золотом и мотивы «звериного стиля».

За время 1 тысячелетия н.э. искусство орнамента кочевых народов Европы прошло через несколько этапов своего развития:

1.     С 100 до 350 г. носит название «филигранного стиля» – украшение застежек, пряжек и др. предметов прикладного искусства тонкими золотыми и серебряными нитями, шнурами и зернами, рис.69.

Рис.69. Узорчатое золотое ожерелье, декорированное филигранью и зернью;

  в центре бусины, 3-4 вв.

2.     С 350 по 550 г. – «полихромный стиль» или «готский стиль»; готы во время пребывания в Северном Причерноморье познакомились с античным стилем перегородчатой эмали и оправы драгоценных камней золотом и серебром. Эта техника получила при посредстве готов самое широкое распространение по всей Западной Европе.

Для изделий «полихромного стиля» характерно сочетание металла с цветными каменьями или окрашенным стеклом, в особенности золота или золоченой меди с гранатами, рубинами или красным стеклом. Металл то служит фоном, то образует ажурную оправу для прозрачных вставок.

Особенно интересны так называемые «вотивные короны», обнаруженные в кладе, который был найден в середине 19 в. в Гваррозаре (Гаррасаре), около Таледо, рис.70.

Рис.70.  Корона 7 в., принадлежащая вестготскому королю Свинтиле

Подобные короны в виде богато орнаментированного металлического обруча приносились в дар церкви («по обету – ex voto”) и обычно подвешивались  под арками. Из Гварразарского клада наиболее известны золотые, украшенные гранатами короны вестготских королей 7 в. – Свинтилы и Рекцесвинты, имена которых названы в посвятительных надписях, образуемых прикрепленными к нижнему краю корон подвесками в форме ажурных букв с драгоценными каменьями и стеклянными вставками.

3.     Первая половина 6 в. – «стиль звериной орнаментики», восходящей к искусству народов Причерноморья, Западной Сибири, Алтая и даже Китая.

В «абстрактной звериной орнаментики» облик зверя изменялся совершенно неузнаваемо: отдельные части животного – голова, морда, шея, нога туловище – превращались в самостоятельный орнаментальный мотив, в условную схему. Иногда такая роль выпадала даже на долю глаз, пасти, губ, сочленений. Из них составлялись совершенно произвольные сочетания, бесконечно усложняемые тем, что они комбинируются с ленточной плетенкой, рис.71.

Рис.71. Золотой реликварий св. Иоанна Крестителя, 9 в.

На высоком уровне стояла в 8-10 вв. ювелирная пластика. Драгоценность материала (золота и серебра) привела впоследствии к массовому уничтожению таких изделий. Дошедшие до нас отдельные произведения безоговорочно могут быть причислены по своим художественным качествам к шедеврам. Таково знаменитое исполнение неким Вольвиниусом и датированное 835 г. “Полиото” базилики Сант Амброджо в Милане. Эта облицовка четырех сторон главного алтаря, украшенная многочисленными (более 40) рельефами из золота и позолоченного серебра. Передняя стенка алтаря сделана целиком из золота, за исключением узкой ленты внизу и акантового бордюра наверху. Драгоценные камни, античные камеи, цветные эмали, украшающие «Палиото», использованы с большим вкусом и ни в какой мере не нарушают гармонии целого. Рельефы, изображающие отдельные фигуры и целые сцены (евангельские сюжеты, эпизоды из жизни св. Амвросия и т.п.), использованы очень тонко, пропорции фигур разнообразны, однако во всех  случаях масштабные отношения фигур и орнамента к размерам панелей выдержаны очень точно. Графическая четкость рисунка и присущая искусству того времени любовь к драгоценным материалам выступают здесь с большой наглядностью.

Наряду с рельефами мастера 9 и 10 вв. умели создавать и своеобразные произведения статуарной  пластики для церквей. Остов подобных статуй изготавливали из дерева и обивали металлическими листами. Знаменитая фигура св. Веры в Конке, конец 10 в. Святая изображена сидящей на троне с простертыми руками, в одежде, усыпанной драгоценными камнями, рис.72.

Рис.72. Статуя – рака Святой Веры

Напряженность позы, непомерно большая голова с крупными чертами лица и неподвижный взгляд широко раскрытых глаз (из эмали) сообщают фигуре примитивность, но вместе с тем и наивную выразительность. Внутри полой статуи хранятся череп и пояс Святой Веры.

В сокровищнице базилики св. Иоанна Крестителя в итальянском городе Монце хранится знаменитая Железная Корона, рис.73.

Рис.73. Железная Корона, 5 в.

Железная Корона – позднеантичная (ранневизантийская) диадема, у которой внутренний железный обруч (ободок), скрепляющий шесть ее золотых пластин, изготовлен из гвоздя (одного из трех) распятия Иисуса Христа.

Здесь же в сокровищнице собора в Монце находится один из самых необычных и загадочных памятников ювелирного искусства – Курица с семью цыплятами, - символика которого трактуется по-разному. Курица в натуральную величину выполнена из позолоченного серебра методом чеканки и гравировки: с помощью изощренной техники мастерам удалось реалистическая передача оперения и анатомических подробностей тела птицы. Однако цыплята, работы явно другого мастера, выполнены в подчеркнуто стилизованной манере, рис.74.

Рис.74. Шедевр ювелирного искусства - Курица с семью цыплятами –

 выполнена из чеканного позолоченного серебра и помещена на

  деревянную основу.

Согласно одной из версий, это произведение символизирует королеву Теоделиндду (6-7 вв.) в окружении герцогов лангобардских. Более уместным, хоть и не столь привлекательным, считается толкование памятника как символа церкви, собирающей вокруг себя преданную паству.

Немецкие ювелирные изделия, изготовленные с середины 9 в. до середины 10 в., отличаются безудержной роскошью. Процветая под покровительством императорского двора, ювелирное дело отразило присущую Средневековью страсть к золоту – металлу, более всего присущему императору – посреднику между Богом и людьми. Ювелирные мастера отдавали предпочтение многокрасочности драгоценных камней и утонченной филиграни, сочетали элементы каролингского стиля со свойственным варварам великолепием. Клад Гизелы, открытый в 1880 г. при прокладке канала в Майнце, дает исчерпывающие представления о ювелирном искусстве Средневековья, т.к. в его предметах отразились важнейшие особенности, свойственные ювелирному делу той эпохи: обильное использование золота, любовь к богато орнаментированным поверхностям, приобщение к технике перегородчатых эмалей, использование гемм, а также камней-кабошонов, в высоких оправах либо в подвесках. На рис.75 показана брошь, сплошь покрытая золотой филигранью, с изобилием драгоценных камней, стеклянной пасты, горного хрусталя и эмали, которые придают этой броши конца 10 в. избыточную роскошь и истинно «варварский» блеск.

Рис.75. Брошь, насыщенная богатым декором, конец 10 в.

Что касается литья из бронзы, то, судя по единичным дошедшим до нас произведениям, оно стояло в каролинческий период на высоком уровне.

2.9. Ювелирное искусство Западной и Центральной Европы, 11-14 вв.

В истории западноевропейской культуры развитого феодализма явственно выделяются два этапа. Первый – 11-12 вв., второй – 13-14 вв. (в некоторых странах вплоть до 16 в.)

В искусстве первому этапу развитого феодализма соответствует так называемый романский стиль, а второму готический стиль.

Романское искусство.  В романовский период исключительную роль играло орнаментальное искусство с чрезвычайным богатством мотивов. Его источники весьма разнообразны:  наследие «варваров», античность, Византия, Иран и даже Дальний Восток. Особенной любовью пользовались изображения всевозможных фантастических существ, в которых на все лады сочетаются человеческие формы с образами животного мира.

В ювелирных изделиях романовского периода использовались такие технологические процессы как литье, чеканка, резьба по кости, эмальерное дело и художественное ткачество. Для романовской пластики типичны монументальная обобщенность форм, отклонение от реальных пропорций и орнаментальность, рис.76.

Рис.76. Скандинавская брошь для скрепления накидок спереди, начало 11 в.

 Во Франции в 11-13 вв. наиболее развитыми видами прикладного искусства были эмальерное дело и разнообразная мелкая пластика, к последней близка прекрасная резьба на церковной и парадной замковой романовской мебели, рис.77.

Рис.77. Заколка для монаршеского плаща, 13-14 вв.

В 12-13 вв. серебряные и золотые изделия стали сравнительно редкими. Поэтому многие вещи, богато орнаментированные и украшенные самоцветными камнями и эмалью, выполняли из бронзы и латуни. Среди них выделяются разнообразием вариантов и вместе с тем традиционностью основных форм сосуды для омовения рук, так называемые акваманилы  или водолеи-рукомойники – небольшие полые фигурки львов, леопардов и всадников с ручкой и отверстием для струйки воды. Акваманилы отливались из бронзы с потерей восковой модели (cire perdue), так что каждый кувшин является уникальным.

В романовский период мирового значения достигло во Франции производство выемчатых многоцветных эмалей. В это время самым распространенными были выемчатые эмали на меди.

Любовь к красочности, к насыщенной, яркой цветовой гамме пронизывала все прикладное искусство средневековья. Лиможские (французские) же эмальеры умели добиваться особенно чистых и ярких красок; в их изделиях преобладали ярко – и бледно-голубые тона в изысканном сочетании с тонким белым орнаментом, напоминающим усики виноградной лозы.

Мелкая пластика романовского стиля в немецких землях богата и разнообразна, отличалась высоким мастерством и тонкостью работы. Удивительным изяществом отмечен средневековый памятник –чаша из горного хрусталя с двумя ручками. Чаша датируется 1000 г., оправа (возможно германской работы) – 12 в., рис.78.

Рис.78. Чаша из горного хрусталя в оправе с двумя ручками

В ювелирных изделиях романовского стиля и готики величественная пышность цветовых созвучий неизменно сочеталось со строгой архитектоничностью композиций, в ряде случаев повторяющих формы церковного зодчества. Это особенно ярко проявилось в творчестве нидерландского ювелира и эмальера Николоса из Вердена (около 1150 – 1210 гг.), изготовившего с помощниками великолепную раку Трех Волхвов для Кельнского собора в Германии.

Гробница (рака) Трех Волхвов.  Древнее христианское предание о трех мудрых старцах (волхвах), присутствовавших при рождении Иисуса Христа, сохранило их имена: Каспар, Мельхиор, Бальтазар.

 В 1164 г. мощи, считавшиеся останками волхвов, попали к императору Священной Римской империи Фридриху Барбаросе. Император передал их архиепископу Кельнскому, которой заказал мастеру Никаласу Верденскому сделать для священных реликвий красивую золотую раку. Николас из Вердена тогда считался лучшим мастером своего дела и постоянно переезжал с места на место для выполнения различных заказов. Возможно, наиболее известная его работа – алтарь в церкви аббатства Клостернойбурге, неподалеку от Вены в Австрии. Украшающие алтарь сцены, и в их числе – Моисей на горе Синай, были в то время самыми выразительными в своем роде. Это произведение искусства считалось одним из важнейших сохранившихся памятников мастерства средневековых эмальеров.

Гробница Трех Волхвов представляет собой один из великолепных примеров раки. На рельефах раки изображено крещение Иисуса, апостолы, Второе пришествие Христа, а также поклонение волхвов, рис.79.

Рис.79.  Гробница Трех Волхвов (Королей)

Эту раку не без оснований причисляют к наиболее выдающимся образцам ювелирного искусства того периода.

Другими столь же значительными примерами подобного рода произведений искусства являются раки Святой Анны в Зибурге, Святого Альбана в Кельне и Святых Пиата и Никазия в городском соборе в Турне (Бельгия), хотя они значительно пострадали при реставрации.

Готическое искусство.  Готический художественный стиль (стремление достичь неба, взгляд к богу) завершил развитие средневекового искусства в Европе. Готическое искусство было также преимущественно культовым и развивалось в рамках феодально-религиозной  идеологии. В 13-14 столетиях средневековое искусство Западной и Центральной Европы достигло своего высшего подъема. Стройные, устремленные ввысь огромные готические соборы, объединявшие в своем помещении большие массы людей, и горделиво – праздничные городские ратуши утверждали величие феодального города – крупного торгово-ремесленного центра. В скульптуре, витражах, живописных и резных алтарях, миниатюрах, декоративных изделиях символико–аллегорический строй сочетается с новыми духовными устремлениями, мифическими эмоциями; расширяется интерес к реальному миру, природе, богатству переживаний.

В сокровищнице Мюнхенской королевской резиденции хранится одна из старейших корон, выполненная в готическом стиле на западе Франции между 1370 и 1380 гг. в технике золотой филиграни и инкрустированная рубинами, сапфирами, бриллиантами, жемчугом и эмалью. Эта корона, известная как «Палатинатская» входила в приданое английской принцессы Бланш, вышедшей замуж за Палатинатского курфюрста Людвига III в 1402 г., рис.81.

Рис.81. «Палатинатская» корона, 1370-1380 гг., Франция

Для  немецкого средневековья характерен широкий спрос на предметы церковной роскоши. В 15 в. он удовлетворялся в значительной мере производством изделий из серебра.  Пластичное, легко моделируемое, красивое в своем естественном белом цвете и в то же время хорошо воспринимаемое позолоту и полировку, серебро стало применяться гораздо охотнее, чем медь, которая прежде использовалась для создания самых изысканных ювелирных изделий.

Немецкая драгоценная серебряная утварь обнаруживает свое подчинение влиянию ведущего из искусств – архитектуре. На рис.81 показан потир, изготовленный из серебра с использованием чеканки, литья, гравировки и золочения.

Рис.81. Потир. Конец 15 в. Германия

Форма потира подтверждает это положение и демонстрирует конкретное использование взятых в миниатюре элементов убранства готической церкви и отчасти даже ее конструкции. В узорах решеток, в декорации стрельчатых арочек и шпилей, на жгутах – нервюрах, в богатой и сложной разработке украшения лопастей основания, в литом ажуре, охватывающем низ чаши, варьируются и повторяются излюбленные готические архитектурные мотивы. Украшение потира в целом отличают характерные для поздней готики - декоративная насыщенность и пышность.

2.10. Ювелирное искусство эпохи Возрождения и маньеризма

В истории мировой культуры 14–16 вв. являются эпохой совершенно исключительного  значения. В сознании народов передовых европейских стран произошел «величайший прогрессивный переворот», который определил конец средневековья и стал началом нового времени.

Термин «Возрождения» (по-итальянски – «ринашименто», по-французски – “Ренессанс”) условен и не исчерпывает существа явления. Отличительной чертой культуры Возрождения, антифеодальной в своей основе – светский, антиклериктический характер, гуманистическое мировоззрение, обращение к культурному наследию античности.

Эпоха Возрождения была временем блестящего прикладного искусства. Его достижения были подготовлены высоким уровнем художественных ремесел в передовых городах позднего  средневековья. Серебряные и золотые кресты, металлические посохи, дарохранительницы, чаши, церковная и бытовая металлическая посуда, оружие и роскошно украшенные панцири, различные ювелирные украшения итальянской работы отличаются совершенной выделкой и художественностью. Прекрасным образцом высокохудожественной работы может служить изысканная янтарная каплевидная подвеска со сценой распятия, вставленная в оправу из резного золота и эмали, окаймленную жемчугом. Вместе со множеством других древних камней, оправленных как ювелирные украшения, это изделие принадлежит к самым изысканным образцам коллекции Медичи, именуемым также сокровищами Медичи, и отражает утонченный реннесанский вкус, рис.82.

Рис.82. Янтарная каплевидная подвеска со сценой распятия

Невысокий рельеф и сдержанность декора в изделиях 14–15 вв. сменяются в период Высокого и Позднего Возрождения богатством пластики, обилием форм, динамичной сменой фигур и чисто орнаментальных мотивов. Чаши, дарохранительницы, канделябры и водолеи того времени отражают в своих конструкциях те поиски подвижной динамики и вместе с тем логической ясности переходов несущих и несомых частей, которыми отмечены поиски и архитекторов того времени. Не случайно многие изделия из металла, как отчасти изделия из дерева, напоминают фасады зданий того времени, включают в свой декор такие элементы, как колонна, портик, купол. Серебряный реликварий Истинного Креста имеет форму прямоугольной дарохранительницы на массивной ножке с коринфскими пилястрами по углам и классическим фронтоном. Реликварий, декорированный двумя скульптурными фигурками ангелов, принадлежит римской школе 16 в. и содержит фрагменты деревянного Креста, на котором был распят Христос, рис.83.

Рис.83. Серебряный реликварий Истинного Креста, 16 в.

История создания бронзовых дверей баптистерия (крещальни) во Флоренции. Лоренцо Гиберти (1378 – 1435 гг.) был участником знаменитого конкурса 1401/02 г. на вторые (северные) двери баптистерия и вышел из него победителем. Особенности его дарования выступают в сопоставлении с конкурсным рельефом Филиппо Брунеллески   (1377–1446 гг., итальянский скульптор, архитектор, ученый эпохи Возрождения).  В рельефе Брунеллески больше реального правдоподобия, его герои держат себя более естественно. Авраам хватает за голову Исаака, в движении которого ощущается сильный испуг. Фигура ангела, останавливающего Авраама, дана очень динамично. Внизу скульптор поместил фигуры слуг, придав им жанровый оттенок: один из них  вытаскивает из ноги занозу, другой пьет воду, недостатком рельефа Брунеллески была некоторая разбросанность фигур и слишком сложная композиционная координация – некоторые фигуры выходят за границы обрамления, выполненного в форме квадрифолия (четырехлистника).

Гиберти лучше справился с композиционно–декоративной задачей – его рельеф удачнее вставлен в обрамление, сильнее у него выражена единая ритмика изображения, мягкость и плавность линий. Вместо испуганного мальчика он изобразил в своем Исааке прекрасного античного эфеба (юношу), гордо подставляющего грудь под удар.

Работа Гиберти над вторыми дверями баптистерия охватила длительный период между 1403 и 1424 гг.

Каждая из двух дверных створок имеет по четырнадцати рельефных композиции в четырех  листниковых обрамлениях. Тематика их – сцены из Нового завета, образы евангелистов и святых. Фигуры Гиберти очень изящны, складки одежд образуют мягкие парадолы. В некоторых сценах введены пейзажные элементы. В целом это произведение воспринимается как закономерное продолжение и развитие идей и форм трегентистского скульптора Андрео Пизано  (около 1290 – 1348 гг., который между 1330 и 1336 гг. выполнил двадцать восемь рельефов, по четырнадцать с каждой стороны, для южных  бронзовых дверей баптистерия во Флоренции. Изображая в них легендарные эпизоды из жизни Иоанна Крестителя, Андреа Пизано с большой мягкостью и изяществом создает различные фигурные сцены, связанные с тонко разработанными архитектурными пейзажами).

Резкий качественный сдвиг в сторону ренессансных художественных принципов обнаруживается в главном произведении Гиберти – в третьих восточных дверях баптистерия (1425 – 1452 гг.), которые он рассматривал как деяние, обеспечивающее ему бессмертие в веках. Двери эти потребовали от него двадцати семи лет огромного труда. Кроме десяти сложившихся многофигурных композиций, выполненных с ювелирной тщательностью они включают небольшие статуи пророков и портреты головы (в их числе автопортрет Гиберти), расположенные по сторонам от рельефов. Обрамление дверного портала украшено орнаментальным рельефом из плодов, листьев и цветов.

Ренессансные качества третьих дверей складываются уже в архитектонике: множество мелких рельефов в готических квадрифолиях, Гиберти укрупнил рельефы и поместил их в прямоугольных обрамлениях. Сюжеты для рельефов – эпизоды из Библии – выбраны известным гуманистом Леонардо Бруни. Поскольку мастер увеличил клейма для рельефов, ему пришлось  в каждой из композиций совместить по нескольку сюжетов. Так, в первом клейме изображены четыре сюжета – создание Адама, создание Евы, грехопадение и изгнание из рая. Подобное нарушение единства места и времени – прием, восходящий к искусству треченто (весна Возрождения, 14 в.), но в трактовке фигур и окружающей их среды Гиберти показал себя уже чисто ренессансным мастером. Его фигуры крепко стоят  на ногах, их пропорции, анатомическое строение переданы в соответствии с натурой. Главная особенность его дарования – лирическая красота образов – раскрывалась здесь во всей своей силе. Присущее ему живое изящество сказывается не только в обрисовке персонажей – оно повсюду, в каждой линии, в каждом пластическом оттенке. Необычайно богаты и насыщены мотивами пейзажные и архитектурные фоны – то с прекрасными холмами и деревьями, то с величественными аркадами и храмами. Эти фоны разработаны в очень низком, тончайшем образом нюансированном рельефе (так называемом rilievo schiacciatto), в них использованы незадолго до того открытые Брунеллески приемы линейной перспективы. В целом благодаря неистощимой художественной фантазии мастера, красоте его образов, благозвучию и плавной ритмике форм и линий все разнообразнейшие элементы этого произведения сливаются в единый редкий по своей законченности и великолепию ансамбль. Впоследствии великий Микеланджело сказал об этих дверях: «Они так прекрасны, что достойны стать вратами рая».

Драгоценность Каннинга.  Крупная жемчужина неправильной формы использована в качестве торса водяного на Драгоценности Каннинга, изготовленной примерно в 1580 г. и являющейся одной из самых известных драгоценностей позднего Ренессанса. Голова выполнена из золота, лицо и руки водяного покрыты белой эмалью, а хвост украшен цветной эмалью, рубинами и бриллиантами. В правой руке он держит кривой ятаган, а в его левой руке – также украшенной эмалью и самоцветами, ажурный щит. Три подвески из жемчужин неправильной формы и несколько оправленных в одну касту рубинов свисают с драгоценности. Такой стиль характерен для ювелирных изделий 16 века, рис.84.

Рис.84. Драгоценность Каннинга

Легенда утверждает, что Драгоценность Каннинга – великолепный дар герцога Медичи императору Моголов. Независимо от вопроса о ее европейском происхождении и причины, по которой она сделана, Драгоценность, видимо, оставалась в Индии в течение какого–то времени, поскольку именно там живот водяного был украшен рубином с гравировкой, а снизу добавлены жемчужины и рубиновые подвески. В конце 50 –х гг. 19 в. это сокровище приобрел в Дели граф Каннинг (отсюда и названия вещи), в то время генерал – губернатор и вице – король Индии. После этого она перешла к первому маркизу Кларникарду, а позже – к виконту Ласселю. Став графом Хервудом, Лассель продал ее в 1931 г. на аукционе Сотби в Лондоне. Драгоценность Каннинга приобрела  миссис Эдвард Хакнес за 10 000 фунтов стерлингов и передала ее в дар лондонскому Музею Виктории и Альберта, где она хранится и по сей день.

В конце 16 в. жемчужины неправильной формы виртуозно использовались в ювелирном искусстве, их нередко применяли для изображения частей человеческого тела или фигур некоторых животных. Очень маленькие, но тщательно сделанные подвески, в состав которых они входили, требовали от ювелиров того времени высочайшего мастерства; в эпоху Возрождения такие подвески довольно широко производились по всей Европе. Рельефное моделирование, использование золота, эмали, рубинов, изумрудов, алмазов и жемчуга позволяли запечатлевать мифологические или библейские сцены, чудовищ, драконов, птиц, корабли, плывущие под парусами, и даже миниатюрные архитектурные композиции, дополненные арками, колоннами и нишами для фигур. Производство таких подвесок продолжалось до начала 17 века, рис.85.

Рис.85. Итальянское драгоценное украшение с жемчужиной, составляющей

 тело петуха

На протяжении веков жемчугу приписывали особые свойства, например, – излечивать сердечные недуги. Полагали, что жемчужины, растворенные в лимонном соке или растертые в молоке, могут излечить безумие. В Риме жемчуг был основным компонентом любого  зелья, поэтому Клеопатра поднимала тост за Антония напитком с растворенной жемчужиной. В 16 в. женщины считали, что ношение жемчуга помогает сохранить фигуру и это стимулировало спрос на ювелирные украшения с жемчугом. Он стал в больших количествах  завозиться в Европу из Индии и Китая. Именно с середины 16 в. Английская королева Елизавета I настолько полюбила жемчуг, что даже нашивала небольшие жемчужины на платья.

Маньеризм – направление в западноевропейском искусстве 16 в., отразившее кризис гуманистической культуры Возрождения. Маньеристы утверждали неустойчивость, трагические диссонансы бытия, власть иррациональных сил, субъективность искусства. Произведения маньеристов отличаются усложненностью, напряженностью образов, манерной изощренностью формы, а нередко остротой художественных решений.

Мастера эпохи Возрождения и маньеризма создали изделия (серебряные сосуды с многофигурными сценами, подвески с эмалью на рельефе, резные камни и др.), в которых исходные свойства драгоценных материалов отступали на задний план перед стремлением подчеркнуть изысканность обработки.

Представителем маньеризма являлся итальянский скульптор, ювелир и писатель Бенвенуто Челлини (1500–1571 гг.). Он учился у ювелира М. Бандинелли, испытал влияние Микеланджело. Автор виртуозных скульптурных и ювелирных произведений, отмеченных утонченным декоративизмом, орнаментальностью сложных композиционных мотивов, контрастным сопоставлением изысканных материалов.

Одним из замечательных предметов, созданных Челлини, является большая золотая солонка, сделанная в середине 16 в. для короля Франциска I французского, передавшего для этой цели Челлини 1000 золотых крон на переплавку, рис.86.

Рис.86. Солонка Франциска I: крупные фигуры на солонке олицетворяют бога моря Нептуна и богиню земли Цецеру. Более мелкие символизируют Ночь, День, Рассвет и Закат и ветры четырех направлений

В своих воспоминаниях Бенвенуто Челлини писал о том, что, увидев солонку, король «от изумления даже что-то воскликнул и долго не мог отвести от нее взгляд». Челлини описывает еще несколько созданных им ювелирных украшений, таких как кольцо для папы Павла III и застежка для ризы папы Климента VII.  Она представляла собой крупный бриллиант, поддерживающий фигуру Господа, окруженного тремя Херувимами.

Бенвенуто смело решал проблемы, рассчитанной на многостороннее обозрение круглой статуи («Персей», бронза, 1545–1554 гг.), отмеченной, как и многие его произведения дробной измельченностью тщательно выполненных форм.

Как теоретик искусства написал «Два трактата о ювелирном искусстве и скульптуре», (1568 г.).

Всемирную славу Челлини как писателю принесли его напоминающие авантюрный роман мемуары «Жизнь Бенвенуто …» (между 1558 – 1565 гг., изданных в 1728 г., русский перевод 1848 г.).

Другим великолепным примером искусства итальянского Возрождения является ларец из горного хрусталя, вставленный в серебряную позолоченную оправу и покрытый эмалью. Валерио Белли работал над ним в течение двух лет – с 1530 по 1532 гг. Теперь ларец хранится во Флорентийском Музее серебра, он стал одним из многих прекрасных предметов, переданных Медичи папе Клименту VII, могущественному политическому деятелю 16 века.

В императорской сокровищнице Вены хранятся вещи, изготовленные для семьи Габсбургов, в течении шести столетий управлявшей Австрией и другими территориями Европы. Для королевского двора Кристофором Ямнитцером был изготовлен величественный кувшин и чаша. Оба изделия декорированы барельефами, в аллегорической форме изображающими триумф и поражение любви. Дно чаши украшает исполненное в типично реннесанском духе изображение триумфа любви, по краю помещены аллегорические изображения Любви, побеждаемой Целомудрием; Целомудрия, побеждаемого Смертью; Смерти, побеждаемой Славой; Славы, побеждаемой Вечностью. Замысловатое содержание таких аллегорий, как правило, принадлежало самим заказчикам и затруднительно для прочтения современного зрителя.

Аллегорическая символика декора кувшина, представленная в виде сцен из легенды о Петрарке и Лауре, еще сложнее. Основной смысл вкладывается в образ последней, - это не только Любовь и Целомудрие, но и (благодаря имени Санча) – Слава, рис.87,88.

Рис.87. Кувшин из сокровищницы Габсбургов, 16 в.

Рис.88. Чаша, декорированная изображениями триумфа и поражения любви,

 конец 16 в.

Кувшин как и прилагающаяся к нему чаша для умывания изготовлены и украшены изображениями триумфа и поражения любви, характерными для маньеризма конца 16 в.

Основоположником немецкого искусства Возрождения является Альбрехт Дюрер (1471 – 1528 гг.).

Дюрер был одним из универсальных людей эпохи Возрождения – живописцем, резчиком по дереву и меди. Во всех ранних работах (1495 – 1498 гг.) гравюрах присутствует современный Дюреру живой человек, нередко крестьянского типа, с характерным, выразительным лицом, одетый в костюм того времени и окруженный точно переданной обстановкой или ландшафтом определенной местности. Большое место уделено бытовым деталям. Здесь впервые обнаруживается интерес Дюрера к обнаженному телу, которое он передает с большим знанием, точно и правдиво, выбирая в первую очередь некрасивое и характерное.

Этими гравюрами открывается блестящая плеяда графических работ Дюрера, одного из величайших  мастеров гравюры в мировом искусстве. Художник теперь свободно владеет резцом, применяя острый, угловатый и нервный штрих, с помощью которого создаются извилистые, напряженные контуры, пластически лепится форма, передаются свет и тени, строится пространство. Фактура этих гравюр с их тончайшими переходами серебристых тонов отличается удивительной красотой и разнообразием. Остановимся на двух работах Дюрера, посвященных гравюрам.

Первой крупной работой была серия гравюр на дереве большого формата из пятнадцати листов на тему Апокалипсиса (напечатано в двух изданиях с немецким и латинским текстом в 1498 г.). Это произведение несет в себе сложное сплетение средневековых воззрений с переживаниями, вызванными бурными общественными событиями тех дней. От средневековья в них сохраняются аллегоричность, символизм образов, запутанность сложных богословских понятий, мистическая фантастика; от современности – общее чувство напряженности и борьбы, столкновения духовных и материальных сил. В аллегорические сцены введены образы представителей разных сословий и тревожных переживаний и активного действия. Особенно выделяется знаменитый лист с изображением четырех апокалипсических всадников с луком, мечом, весами и вилами, которые повергли ниц бежавших от них людей – крестьянина, горожанина и императора. Это изображение явно связано с современной Дюреру жизнью, несомненно, что четыре всадника символизируют в представлении художника разрушительные силы – войну, болезни, божественное правосудие и смерть, не щадящие ни простых людей, ни императора, рис.89.

Рис.89. Четыре всадника Дюрера

Эти листы, покрытые причудливым извилистым орнаментом линий, пронизанные горячим темпераментом, захватывают людей яркой образностью и силой фантазии. Чрезвычайно значительны они и своим мастерством. Гравюра поднята здесь на уровень большого монументального искусства.

Второй работой, на которой мы остановимся, являются гравюры, созданные уже зрелым мастером в 1513 – 1514 гг., знаменующих вершину его творчества. Это три гравюры по меди,  знаменитые «Всадник, смерть и дьявол» (1513 г.), «Св. Иероним» и «Меланхолия». Маленький лист станковой гравюры трактуется в этих работах как большое монументальное произведение искусства. Сюжетно эти три гравюры не связаны между собой, но они составляют единую образную цепь, так как тема их одна; все они воплощают образ человеческого разума, каждая – несколько в ином плане.

Первый лист – «Всадник, смерть и дьявол» – подчеркивает волевое начало в человеке. Одетый в кольчугу и шлем, вооруженный мечом и копьем, сильный и спокойный всадник едет на мощном коне, не обращая внимания на уродливого дьявола, который силится удержать его коня, на страшную смерть, показывающую ему символ времени песочные часы, на то, что под ногами лошади на земле лежит человеческий череп. Поступь  коня неудержима и уверенна, лицо человека исполнено воли и внутренней сосредоточенности.

«Св. Иероним» воплощает образ ясной человеческой мысли. В комнате, тщательно воспроизводящей обстановку немецкого дома 16 в., за рабочим столом сидит старец с окруженной светлым ореолом головой. Из окна льются солнечные лучи, наполняющие комнату серебристым светом. Царит невозмутимая тишина. На полу дремлют укрощенный лев и собака.

Наиболее  впечатляющий образ создан в третьей гравюре – прославленной «Меланхолии», рис.90.

Рис.90. «Меланхолия»

В этом листе сильнее всего выступает символическое начало, давшее повод для самых разнообразных толкований со стороны ученых многих поколений. В настоящее время трудно сказать точно, какой смысл вкладывал Дюрер во все представленные здесь предметы, атрибуты средневековой науки и алхимии, что обозначают многогранник и сфера, весы и колокол, рубанок и зазубренный меч, песочные весы, спящая собака, цифры на доске, пишущий грифелем амур; как толковал художник традиционное для  аллегории Меланхолии изображение планеты Сатурн. Но образ модной женщины – крылатого гения, погруженной в глубокое сосредоточенное раздумье, настолько значителен, настолько пронизан ощущением безграничной силы человеческого духа, что все эти  детали отодвигаются на второй план, а на первое место выступают гуманистическое начало. Характерно, что внешнее спокойствие этого образа не скрывает за собой внутреннего покоя. Сосредоточенный взгляд Меланхолии, выражающий состояние тяжелого раздумья, беспокойный ритм складок ее одежды, мир фантастических атрибутов, который обступает ее со всех сторон, – все это чрезвычайно типично для эстетики немецкого Возрождения. Только в гравюре «Св. Иероним», где художник создает представление о мире научного мышления, царствует гармония. Человек действия – всадник – показан окруженным опасностями, а размышления крылатого гения исполнены тревоги и скорби. Наиболее сильной стороной этих листов является то, что философское обобщение и символика облечены в них в подлинно реалистические формы. Каждая из гравюр – это не только плод могучего художественного воображения, но результат пристального изучения натуры. Например, фигура коня в листе «Всадник, смерть и дьявол» возникла на основании натурных зарисовок лошадей и работы над идеальными пропорциями лошади. В этом же листе мы находим тщательно выполненные изображения травы, кустов и почвы. Комната Св. Иеронима является великолепной студией с натуры, показывая Дюрера как блестящего художника интерьера и натюрморта, раскрывая его мастерство в передаче света и воздуха. В «Меланхолии» со всей силой воплощается проникновенность его как психолога.

2.11. Ювелирное искусство 17 и 18 вв.

В 17–18 вв. возрос интерес к живописным эффектам, к сложным колористическим созвучиям эмалей, золота и драгоценных камней, нередко покрывающих металлическую основу сплошным мерцающим слоем.

Среди шедевров европейского ювелирного искусства следует отметить и голландское художественное серебро и эмали, английское художественное серебро, изделия французского ювелирного искусства с конца 17 в. выдвинулись на первое место в Европе.

Голландская свадебная чаша. В 17 в. в Голландии высокого совершенства достигло изготовление богато украшенных изделий из серебра. Особенно прославились чеканкой и гравировкой  братья Пауль и Адам ван Вианены, родившиеся в Утрехте в середине 60-х годов 16 века. Витиеватые узоры, принесшие им известность, в определенном смысле предшествовали стилю рококо. В самом начале 17 в. Пауль уехал в Прагу, где стал придворным ювелиром Рудольфа II, императора Священной Римской империи, широко известного как меценат, покровительствовавший развитию изящных искусств.

Любовь голландцев к цветам проявилась в серебряных изделиях середины 17 в. и позже, когда блюда, кувшины и другие предметы украшали гравированными изображениями тюльпанов. До конца 16 в. между стилями серебряной посуды Голландии и Дании не было, однако уже с начала 17 в. изменившийся стиль голландских изделий вызывал восхищение во всей Европе.

Некоторые предметы, созданные голландскими серебряных дел мастерами, отражали специфические национальные обычаи. «Чаша для бренди» представляла собой круглый или шестиугольный сосуд для питья с двумя ручками. Его наполняли бренди с изюмом на семейных торжествах 17–18 вв. Нередко эти чаши украшали гравированными надписями, связанными с событиями семейной жизни.

Типично голландские кубки включали в себя прелестные миниатюры копий ветряных мельниц. В конструкцию входила также трубочка, через которую пьющий должен был дуть на лопасти ветряной мельницы, чтобы успеть опустошить кубок до того, как она остановится. Если ему это не удавалось, вся операция повторялась снова.

Свадебные кубки в Голландии называли «чаша невесты». Из них обычно пили, провозглашая тосты за молодоженов. Таким кубком придавали форму женского тела, причем они имели две емкости: одну образованную юбкой, и вторую, меньшего размера, расположенную на ее поднятых руках, причем эта меньшая крепилась с двух сторон в пазах так, что при наклоне кубка она оставалась в горизонтальном положении. Переворачивая кубок, поочередно наполняли вином обе его части. Пьющий должен был сначала осушить первую из них, потом перевернуть кубок и выпить вино из меньшей так, чтобы не пролилось ни капли.

Другой типично голландский кубок называется «Ганс в винном погребке». Он делался для того, чтобы отмечать известие, что ожидается ребенок. Под расположенной в его центре крышкой при наполнении кубка появлялась фигурка ребенка. Такие кубки пользовались у голландцев популярностью с 16 по 19 в. Голландские мастера создавали подставки к бокалам для вина, кубки из покрытой резьбой скорлупы коксовых орехов, вставленные в оправы из позолоченного серебра.

Чаши для вина и футляры для ароматических веществ. Напиток из горячего вина или эля (светлого густого пива), смешанного с кусочками хлеба или жидкой овсяной кашей, яйцами, сахаром и пряностями, впервые появившийся в 14 в., стал особенно популярен в Европе в 17 в. Эту горячую смесь, хорошо восстанавливающую силы,  часто давали женщинам после родов или выздоравливающим; сосуды для этих напитков имели две ручки. Их крышки часто делали плоскими, чтобы использовать как подставки для самих сосудов.

Их иногда называли «мисочки» и они были самых различных форм и размеров. В период с 14 по 19 вв. для их изготовления использовали олово, а в 17 и 18 вв. – также серебро, которое иногда золотили. Немецкие аналогии таких сосудов часто были на трех ножках и обычно, глубже, чем сделанные в Англии. В Америке к ним сверху приделывали вставленную в петли ручку для переноски, рис. 91.

Рис.91. Чаша для вина

Другим предметом, возникновение которого связано с распространением в Европе специй, стал круглый футляр для ароматических шариков, называемый «помандер». В эти небольшие круглые металлические футляры вкладывали шарики из ароматических специй или трав, изготовленные аптекарями или парфюмерами, и носили их на ремешках или цепочках на шее, либо на поясе, чтобы они отгоняли неприятные запахи – неизменную часть повседневной жизни людей в средние века. Поскольку такие футляры часто украшали эмалью и драгоценными каменьями, они вошли в моду. В 16 в. их стали  делить на сегменты, чтобы внутри получилось шесть отделений, каждое из которых предназначалось для отдельного ароматического вещества. Как правило, в их число входила амбра – воскоподобное вещество с мускусным запахом, – а также корица, мускус, цибет и различные ароматические травы, рис.92.

Рис.92. Футляр для благовоний в стиле позднего возрождения, 17 в.

Другой причиной широкого распространения подобных футляров для благовоний был всеобщий страх заражения смертельными болезнями, и в трактатах по лечению от чумы настоятельно рекомендовалось их носить. Считалось, что постоянное вдыхание запаха ароматических веществ помогает уберечься от распространенной в воздухе инфекции. В некоторых таких футлярах, изготовленных в 17 в., аптекари хранили нашатырный спирт, получаемый из оленьих рогов, смешанный с ароматическими маслами. В 19 в. в моду вошли нюхательные соли; их держали в специальных бутылочках, открывающихся с двух сторон; колпачки некоторых из них делались из золота или серебра.

В 18 и 19 вв. на смену «помандерам» пришили «уксусницы», обычно украшавшиеся гравировкой или чеканкой. Внутри их золотых или серебряных корпусов были вставлены сеточки или крышки с просверленными отверстиями, за которые помещали кусок губки, смоченной  ароматическим уксусом. Их функции – те же, что и у футляров для ароматических шариков, поскольку пользовались ими главным образом дамы, у которых кружилась голова.

Брелоки и табакерки. Брелоки с цепочками, на которые пристегивали украшения и некоторые другие предметы, впервые стали носить в 16 в., а в начале 19 в. они стали особенно популярны. Женщины крючком прикрепляли их к поясу, с них свисали от 5 до 9 коротких цепочек с кольцами или карабинами, на которых носили часы или ключи. Цепочки на мужских брелках делали более длинными, обычно на них носили часы, печати и талисманы. Футляры брелоков изготавливали из золота, серебра и латуни. Их покрывали эмалью, драгоценными камнями, рис.93.

Рис.93. Брелок с камеей

Другими распространенными и модными в 18 в. украшениями были стальные броши с ограненными вставками из более мягкой стали, приклепанными к корпусу самого изделия так, что оно казалось усыпанным бриллиантами или стразами. Первые изделия из граненой стали были сделаны в Лондоне в 60-х гг. 18 в., а затем распространялись по всей Европе. Мода на украшения из граненой стали сохранилась до конца 19 в. в таких изделиях, как броши, браслеты, тиары и ожерелья. гребни, женские сумочки, рамки и оправы, печати, пуговицы. кольца и заколки для волос, рис.94.

Рис.94. Камея из синего «веджвуда» (фарфора) вставлена в оправу из

 граненной стали

Нюхательный табак вошел в моду в середине 17 в. и был последним криком моды во Франции. К концу 17 в. были сделаны первые табакерки, которые в 18 в. украшались драгоценными камнями и стали роскошными вещами первой необходимости. Их использовали для разных целей: в качестве футляров для сургучных печатей, скреплявших письма, романтических сувениров, «косметичек», в которых держали пудру и румяна и даже средства для освежения дыхания, рис.95.

 Рис.95. Золотые табакерки из коллекции Ротшильда

В начале 18 в. табакерки обычно имели прямоугольную или овальную форму, но со временем их конструкция усложнилась, и появились табакерки в форме карет, сундуков и даже поясных ванн.

В Германии был создан свой стиль табакерок – более крупных, крышки которых украшали твердые полудрагоценные камни: прозрачный кварц и различные халцедоны, такие как агат, сердолик, яшма, гелиотроп, оникс и хризопраз. Берлинские табакерки часто украшали рельефной мозаикой из кораллов, лазурита, перламутра и слоновой кости. Гладкие табакерки, покрытые эмалью, нередко блистали бриллиантами.

Золотые табакерки особого типа изготовлялись в Швейцарии. Их часто украшали эмалевые миниатюры, а в Женеве в крышки табакерок даже вставляли часовые механизмы.

Серебряная посуда. Шоколад, кофе и чай впервые были завезены в Европу из дальних стран в середине 17 в. Новые напитки вскоре вызвали к жизни моду на новые, более изящные сосуды, в которых их подавали к столу. Эта мода быстро распространялась в Англии и Америке, где появился большой спрос на серебряные чайники для кипячения воды и подставки для них, чайные ситечки, кофейники и сосуды для горячего шоколада, сахарницы и кувшинки и сосуды для сливок, а также подносы и блюда. Как в Англии, так и в Америке особую популярность в те годы приобрели чайники для заварки грушевидной формы – она была наиболее практичной, так как позволяла заваривать дорогие и редкие чайные листья в большом количестве горячей воды, рис.96.

Рис.96. Чайник в стиле Эдварда Фарелла

С середины 18 в. распространение механического давильного оборудования привело к удешевлению производства серебряных изделий. Применение различных сплавов, имитирующих серебро – мельхиоров, нейзильберов с самыми причудливыми названиями и сплавов на основе олова – сильно снизило цену на предметы, которые раньше считались роскошью и позволило пользоваться ими широкому кругу людей.

В 1742 г. был разработан способ получения биметаллических сплавов методами прокатки (например, медь – серебро) и изготовления из них посуды, которые раньше производилась из серебра. Стоимость такой посуды снижалась в пять раз, хотя эстетические и эксплуатационные свойства оставались такими же, как у серебра.

Бриллиантовая огранка алмазов. Техника огранки алмазов, изобретенная венецианским гранильщиком Винченцо Перуцци в конце 17 в., определяет 56 граней, максимально подчеркивающие отражающие свойства камня. В форме прямоугольника («багет») гранят, как правило, лишь небольшие алмазы, предназначенные для обрамления более крупных камней.

Увеличение ограненных алмазов – единственное существенное нововведение в ювелирном производстве с конца 17 в., значительно определившее его дальнейшее развитие. С этого времени личные украшения чаще делают из ограниченных драгоценных камней, а мода на кабошоны уходит в прошлое. Даже золото отходит на второй план, роль его все больше низводится до оправы граненых драгоценных камней. На рис.97 показано ожерелье Наполеона,  подаренное первым императором Франции императрице Марии-Луизе считается самым прекрасным из всех украшений принадлежащих Наполеону. Серьги Марии-Антуанетты с бриллиантами в форме персика, крепящиеся на небольших розетках, также усыпанных бриллиантами отличаются высоким качеством исполнения, рис.98.

Стиль «ормолу» и шинуазри. Слово «ормолу» применяется к стилю сложного золочения бронзы, распространенному, с конца 17 по 19 в.

Этот стиль ассоциируется главным образом с Францией, где он был усовершенствован в середине 17 в. Мастера, работавшие в технике «ормолу», создавали скульптуры, в том числе и фигуры людей. Самые искусные из них работали для французской королевской семьи. «Ормолу» украшали разнообразные предметы: дверные ручки, декоративные вазы, подсвечники, канделябры, железные подставки для дров в камине. Кроме того, золоченую бронзу нередко использовали для изготовления оправ к лаковым восточным миниатюрам, украшения различных видов парадной мебели и тонкого фарфора.

Предметы из золоченой бронзы отливали методом «вытопленного воска», а потом доводили их форму с помощью ковки и чеканки. Для обработки поверхности – удаления зазубрин, царапин, выбоин, а также гравировки и чеканки применялись самые различные инструменты. Сплав, из которых делали изделия, также варьировался, однако содержание меди в нем всегда превышало общее содержание олова и цинка.

Характерной чертой всех предметов «ормолу» является покрытие поверхности бронзы методом «ртутного» или «огненного» золочения.

К числу модных предметов «ормолу» относились часы, некоторые из них сохранились до нашего времени. Часы с пружинным механизмом собирали во Франции еще в 16 в., но большая часть их была варварски поломана еще в давние времена, чтобы извлечь украшавшие их золото, серебро, драгоценные камни.

К концу 17 в. и в период правления Людовика XIV золоченая бронза использовалась для изготовления витиеватых настольных часов и других декоративных предметов. Многие маятниковые часы изысканно украшались черепаховым «рогом», серебром, бронзой, а также мозаикой.

Андре Шарль Буль изготовил несколько чудесных корпусов для часов, сочетая в них тщательно  подогнанные детали маркетри-мозаики, составленной их разноцветных пород дерева – с нарочитой пышностью позолоченной бронзы.

В период царствования Людовика XV (1723-1774 гг.) часы украшались завитками в стиле рококо, раковинами, цветами из золоченой бронзы; нередко часовые механизмы вставляли в элегантные корпуса из фарфора, отделанные «ормолу».

В конце 18 в. в годы правления Людовика XVI модными украшениями часов служили урны с фигурами животных и людей.

Стенные часы вытеснялись настольными, которые часто делались в форме лиры, рис.99.

Рис.99. Французские часы с корпусом в форме лиры

Изделия из золоченой бронзы были в моде на протяжении всего 18 в.

Стиль Шинуазри.  В конце 1644 г. к власти в Китае пришла маньчжурская династия Цин, резко расширившая торговлю с Западом, в связи с чем многие товары стали делать исключительно для экспорта в европейские страны.

К концу 17 в. европейское декоративное искусство испытывало настолько сильное влияние Востока, что европейские мастера стали создавать изделия в стиле «Шинуазри». Этот термин охватывает широкий спектр предметов: скульптуры, пагоды, чудовища, ландшафты, создававшиеся европейскими мастерами как имитации китайский изделий. Европейские мастера перенимали также экзотические мотивы японского, индийского и турецкого искусства, рис.100.

Рис.100. Часы Людовика XV в стиле «Шинуазри» на подставке из золоченой бронзы

В 18 в. восточное влияние стало явно прослеживаться в изделиях их глазурированного  фарфора, лаковых миниатюр и других предметов, в частности часов.

В 18 в. в искусстве господствовала прихотливая изысканность форм рококо, позволявшая показать изящество отделки, тонко выявить выразительные возможности материала.

2.12. Ювелирное искусство 19-20 вв.

В начале 19 в. проявилась строгость стиля ампир, сложившаяся в период империи Наполеона I во Франции, где его отличало парадное великолепие мемориальной архитектуры и дворцовых интерьеров. На рис.101 показан кувшин для горячей воды Жана Б. Клода, представляющий собой яркий пример типичных особенностей стиля ампир и характерный образец индивидуальной манеры мастера.

Рис.101. Кувшин, 1809-1819 гг. Серебро. Литье, золочение, полировка, штамповка

Подобно многим произведениям названного стиля, кувшин, не является парадным предметом, задуман и выполнен как произведение эффектное, оставляющее впечатление особой роскоши. И здесь, как всегда в ампирном серебре, торжественной нарядности служат  сплошное золочение, идеальная полировка, резкий силуэт, контраст блестящей и матовой поверхностей. В украшении кувшина проявляется насыщение растительными мотивами использование крупных накладок, часто с изображением мифологических персонажей.

 В середине 19 в. производство массовых ювелирных изделий механизируется, в употребление входят упрощенные приемы, например накладное серебро, а вместо драгоценных камней – горный хрусталь, аквамарины, малахит, искусственные бриллианты (стразы).

Большинство изделий ювелирного искусства 19 в. стилистически тяготеет к эклектизму – соединению разнородных художественных элементов.

В 19 в. наблюдается процесс образования ювелирных и торговых домов. К фирмам, образованных в 19 в. и ныне успешно процветающих относятся: английский ювелирный дом «Эспри»; американские компании «Блек, Старр, Фрост», «Гумп», «Шриф, Крумп и Лоу», «Тиффани и К», итальянский дом «Булгари», французские фирмы «Карье», «Шамо», «Фуко», «Жар», «Мабуссан», «Бушерон», германская фирма «Хеммерле», и многие другие.

Памятными украшениями в этот период были драгоценности, которые носили на шее на черных бархатках. Особенно популярны в Великобритании были изделия из гагата, который вставляли в оправу из ограненной стали, а во Франции и Испании вместо гагата использовали черное стекло.

На стиль многих ювелирных украшений середины и конца 19 в. большое влияние оказали открытие крупных месторождений золота и алмазов, а также ассоциации, навеянные историческими находками.

Лучшие образцы медальонов созданы в 19 в., в которых хранили такие памятные и дорогие вещи, как прядь волос или портрет покойного. В конце века изготавливали золотые, серебряные и платиновые медальоны, инкрустированные бриллиантами, жемчугом, бронзой или опалами.

Ювелирные изделия начала 19 в. украшали изображениями птиц, змей, а иногда стилизованными цветами, выложенными драгоценными или полудрагоценными камнями. Золото обрабатывали с величайшей тщательностью – сначала вручную, а с 1835 г. с помощью штамповальных механизмов. За счет различных добавок к сплаву золото имело шесть различных оттенков, а поверхность изделий ювелиры часто украшали чернью, гравировкой, травлением, драгоценными камнями. Кроме того, иногда использовалась «канитель» – филигранная техника с применением очень мелких золотых капелек.

В начале 19 в. были модны в Европе парюры, которые состояли из короткого ожерелья с подвеской, длинного ожерелья и украшения для волос. В состав парюр часто добавляли серьги и браслеты в том же стиле. Характерной особенностью парюр является превращение ожерелья в брошь. Иногда конструкция длинного ожерелья позволяла разбирать его на части и превращать в парюру, состоящую из короткого ожерелья, одной или двух брошей и браслета.

Наполеон дарил Марии-Луизе цветные камни, белоснежный жемчуг и бриллианты. Они были оправлены в блестящем стиле, который показан на рис.102, характерном для начала 19в.

Рис.102. Драгоценные украшения, которые подарил Наполеон Марии-Луизе, 

 1811 г.

В комплект украшений с рубинами и бриллиантами входят: корона, тиара, гребень, серьги, ожерелье и браслеты

В 1817 г. было изобретено накладное золото. При большой температуре и сильном давлении золотая пластина сплавлялась с другим металлом, например латунью, и многократно прокатывалась до тех пор, пока не становилась достаточно тонкой. Стоимость накладного золота была ниже, чем однородного золота той же пробы, а весило оно столько же, сколько латунь или другой похожий на нее металл, имитирующий золото.

В конце 19 – начале 20 в. против эклектизма выступили мастера стиля «Модерн» (французский moderne – новейший, современный; иные названия: Art Nouneau – Франция, Бельгия, Jugenstil – Германия, Seression – Австрия, Liberty – Италия).

Специалисты стиля «Modern” освоили много новых материалов (платина, палладий, анодированный алюминий и др.) и развили необычайно много творческих направлений.

Ювелирные украшения в стиле «Модерн». В Англии этот стиль ассоциировался с лондонской фирмой Либерти и К⁰, чьи мастера, например, Арчибальд Нокс, создавали разнообразные украшения и великолепные серебряные изделия. В Италии «модерн» и поныне называют «свободным стилем».

Хотя этот стиль варьируется в зависимости от особенностей той или иной страны, везде его отличают:

-       асимметричные формы и плавные изогнутые линии;

-       изображения морских обитателей, змей, насекомых и растений;

-       человеческие изображения чаще всего представлены фигурой стройной, гибкой, мечтательной девушки с длинными распущенными волосами.

Стимулом к появлению «модерна», корни которого восходят к Движению британских деятелей искусств и ремесел, было стремление повысить уровень массовой продукции.

Стиль «модерн», несмотря на свою короткую жизнь, проложил путь для дальнейшего развития искусства и архитектуры. Художники легче преодолевали старые каноны, не копируя стили былых времен, господствовавшие в искусстве 19 в., а создавали оригинальные вещи, более полно раскрывающие их творческий гений.

Выдающийся бельгийский ювелир – дизайнер Филипп Вольфер, работавший в стиле «модерн», создал удивительные украшения, в которых необычным было сочетание различных материалов и умелое использование неправильной формы драгоценных камней.

Французский ювелир Жорж Фуке нашел себе замечательного партнера в лице чешского графика Альфонса Муха, работавшего тогда в Париже. Союз этих двух мастеров «модерна» дал две известные работы: восхитительную брошь с вырезанным на слоновой кости лицом, обрамленным распущенным волосами из золота и слоновой кости, и браслет с кольцом, сделанный для знаменитой французской актрисы Сары Бернар.

Эжен Фёйятр – еще один выдающийся представитель плеяды художников, чей талант блистательно раскрылся в годы подъема «модерна», рис.103.

Рис.103. Изысканная брошь из золота, эмали, опалов, лунного камня, бриллиантов и серебряных чешуек, 1900 г.

 Мастер  специализировался на серебряных изделиях, украшенных эмалью, в эмальерной технике, известной под название «оконной эмали». Помимо ювелирных изделий Фейятр делал необычной формы бутыли, блюда и другие предметы.

Рене Лалик. Рене Лалик – он из непревзойденных дизайнеров. Его характеризует безудержный полет фантазии и широчайший спектр применения материалов. Среди наиболее талантливых представителей стиля «модерн» – француз Лалик, создавший  оригинальные и восхитительные ювелирные украшения, отличался своим пристрастием к изображению животных, рыб, растений и, особенно, насекомых, рис.104.

Рис.104. Две стрекозы, соединенные круглым цитрином, выполнены в стиле «арт-нуво»

На крыльях маленькие изумруды, по краям эмаль и бриллианты в виде розочек, тельца - эмалевые. Головы стрекоз выполнены в манере Лалика.

Иногда Лалик с безукоризненной точностью воспроизводил натуру, порой уходил в мир фантазии, создавая прихотливые образы необычной притягательной силы. При близком рассмотрении знаменитая брошь Стрекозы предстает странным созданием, походящим на насекомое  с длинным, сужающимся к концу телом и непропорционально большими костями, выходящего из обнаженного женского торса вместе с двумя огромными крыльями с размахом более 25 см, изготовленными в технике «оконной эмали».

Цена ювелирного украшения не имела для Лалики ничего общего со стоимостью материалов, из которых оно изготовлено. Он страстно увлекался созданием изделий из стекла и эмали в необычных сочетаниях с другими материалами – слоновой костью, рогом и янтарем, которые с удивительным мастерством и вкусом покрывал восхитительной резьбой. С той же легкостью и изяществом он комбинировал золото разных цветов и бриллианты со стеклом, серебром, медью, сталью и даже алюминием.

С 1895 по 1912 год Лалик выполнял заказы американского нефтяного магната Калуста Гульбекяна, жившего в Париже и познакомившегося с ним через величайшую актрису Сару Бернар. Покровительство такого могущественного патрона позволило Лалику воздавать свои творения без оглядки на их коммерческий потенциал. Коллекция Гульбекяна состоит примерно из 145 предметов.

В 1909 г. Лалик купил фабрику по производству стекла, которое с тех пор стало играть  большую роль в его украшениях. В 1914 г. он оставил ювелирное дело, целиком посвятив себя работе со стеклом. Более всего Лалик знаменит своими работами по стеклу.

Кубизм и сюрреализм. В 1911 г. кубизм пришел на смену «модерна» и стал официальным названием нового течения в искусстве, основными фигурами которого стали Ж.Брак, П. Пикассо, Х.Грис.

Кубизм – модернистское течение в изобразительном искусстве – сведение к минимуму изобразительно-познавательной задачи искусства. Кубизм выдвинул на первый план формальные эксперименты – конструирование объемной формы на плоскости, выявление простых устойчивых форм (куб, конус, цилиндр), разложение сложных форм на простые. Формула кубизма: «Вещи изображаются так, как они представляются, а не так как выглядят». Это положение кубизма перекликается с деятельностью древнегреческого скульптора 4 в. до н.э. Лисиппа, который изображал не «какими они есть», но «какими они кажутся» (Плиний, Естественная история, XXXIV,8).

Ювелирные украшения в стиле кубизма производили такие всемирно известные фирмы как «Картье», «Мабуссан», «Тиффани и К» и многие другие.

Среди современных художников, работающих в стиле кубизма для ювелирных украшений, можно назвать Макса Эрнста, Дюбуффе, Арна, Мэна Рейя и Джакомметти.

  Сюрреализм (сверхреализм) – модернистское направление в искусстве 20 в. Оно провозгласило источником искусства сферу подсознания (инстинкты, сновидения, галлюцинации), а его методом – разрыв логических связей, замененных субъективными ассоциациями.

Главными чертами сюрреализма стали погоня за сенсацией, пугающая противоестественность сочетания предметов и явлений, которым придается видимая достоверность.

Ведущим представителем сюрреализма является испанский живописец Сальвадор Дали. Его  картина «Пылающий жираф», 1935 г. – кошмарные фантасмагории, бредовые видения, противоестественные ситуациям и сочетаниям предметов. Дали широко известен не только как крупнейший художник – сюрреалист, но и как любитель – специалист в области графики, сценографии, кинематографии, ювелирного дела.

Его неповторимый художественный стиль стал формироваться в конце 20-х годов после  тесного общения с П. Пикассо и художниками сюрреалистами. Сам он назвал свою работу «нарисованной фотографией мечты», цель творчества видел в том, чтобы «упорядочить беспорядок и тем самым внести лепту в разоблачение иллюзорности реального мира».

С 1950 по 1969 гг. он создал акварельные наброски в высшей степени оригинальных эскизов  изделий из металла и драгоценных камней.

Знаменитые золотые часы Дали «Глаз времени», украшенные бриллиантами и рубином показаны на рис.105.

Рис.105. Золотые часы Дали «Глаз времени»

Крупнейшее собрание ювелирных украшений Дали хранится В Нью – Йорке.

Пуризм. Пуристическое (пуризм – от purisme, от лат. purus –чистый) стремление к «дизайнерским» формам, лишенным какого-либо орнамента (типичное для ювелирного искусства 20 годов 20 века) сосуществует с тенденциями к созданию изделий, воскрешающих динамику и текучесть форм «Модерна» или традиции народного или средневекового искусства.

Наряду  с орнаментами, имитирующими размерные исторические стили к середине 20 века все чаще появляются образные решения, более тесно соприкасающиеся с проблематикой современной культуры (например, ювелирные изделия и композиции на космические темы).

Представителем пуризма является датская ювелирная фирма, созданная в 1904 г. Георгом Иенсеном. В последние годы этой фирмой, возглавляемой сыном Иенсена Сореном производятся золотые и серебряные изделия, отличающиеся простотой стиля, хотя нередко украшенные драгоценными камнями.

Ведущий швейцарский дизайнер в области производства часов и ювелирных изделий Жильбер Альбер создает драгоценности с абстрактными узорами из кусочков материала и иных недорогих предметов.

Сегодняшняя тенденция в развитии ювелирного искусства состоит в создании изделий ценность которых, определяется не столько материалом, из которого они сделаны, сколько эстетической значимостью.

Великие ювелиры современности. К наиболее престижным ювелирным фирмам современности можно отнести:

-         Французскую «Картье»; Картье – это король ювелиров и ювелир королей, рис.106.

Рис.106. Бриллиантовое украшение в виде ландышей, 1912 г.

-         Лондонскую «Эспрей»– производство ювелирных изделий высочайшего качества. Обслуживание английской королевской семьи, арабских монархов и других восточных правителей; создание уникальных вещей по специальным заказам, рис.107.

Рис.107. Ожерелье с алмазами и рубинами

-         Нью-Йоркская «Блэк, Стар и Фрост» – компанию, производящую украшения класса «Люкс»; считается престижной компанией в области ювелирного дела, рис.108.

Рис.108. Бриллиантовое ожерелье

-         Римскую «Булгари» – славится своим новаторством, успешно сочетая модернизм с консерватизмом; пышная монументальность, когда камни красуются на фоне теплого блеска желтого золота. Поверхность изделия сплошь покрыта драгоценными камнями, рис.109.

Рис.109. Браслет с розовыми и голубыми сапфирами и бриллиантами

- Парижскую «Бушерон» – это имя стало синонимом французских

 ювелирных украшений. При упоминании фирмы «Бушерон» сразу в памяти возникаю слова: «Париж», «качество», «аристократия», «история», «инновации» и «красота», рис.110.

Рис.110. Ожерелье и серьги с изумрудами, горным хрусталем и бриллиантами

К знаменитым ювелирным фирмам также относится «Мабуссан», «Мейерио», «Тиффани и К» и многие др.

Крупнейшим в мире индивидуальным дилером по торговле бриллиантами был до своей смерти 1978 г. Гарри Уинстон из Нью-Йорка. Он был ювелиром и владельцем более чем 60 из 303 наиболее известных в мире бриллиантов, что, вероятно является своего рода рекордом среди отдельных коллекционеров, правительств или королевских домов, рис.111.

Рис.111. Кулон-серьги с бриллиантами, Гарри Уинстон, 1961 г.

Знаменитая парижская фирма «Ван Клиф Арпел», также торгующая ювелирными украшениями, в 1967 г. получила заказ на изготовление короны для коронации иранской шахини. Центральное ее украшение – великолепный изумруд в 150 карат, окруженный 1469 бриллиантами, 86 рубинами, 36 изумрудами и 105 жемчужинами. На рис. 112 показано ювелирное изделие этой фирмы.

Рис.112. Комплект, украшенный перидотами и бриллиантами